SOUND GRAMMAR

The Fleshtones en Campus Rock Cádiz

2012-01-29T11:04:00.002+01:00

THE FLESHTONES + The Smoggers

Campus Rock Cádiz

Lunes, 30 enero 2011 / 21.00 horas.

Edificio Constitución 1812 (antiguo Aulario la Bomba).

Entrada: 6 euros / Comunidad universitaria: 4 euros.

Organiza: Servicio de Extension Universitaria.

Vicerrectorado de Proyección Social, Cultural e Internacional.

Universidad de Cádiz.

Próximos Campus Rock Cádiz / Algeciras:

Joaquín Pascual + Pegamento (Algeciras)

Alasdair Roberts (Algeciras)

Damien Jurado (Cádiz)

Willie Nile (Cádiz)

Grupo de Expertos Solynieve (Cádiz)

Norman Blake & Jad Fair (Cádiz)

Jazz en el Museo Picasso Málaga: Saxos.

2012-01-17T20:21:00.008+01:00

Cien años después de su irrupción en el marco jazzístico, el saxo refuerza hoy su ley en el universo de la improvisación. Sus códigos y lenguajes siguen expandiendo una idiosincrasia que se impulsa en el pasado para avanzar acorde con el signo de los tiempos. Las cuatro propuestas de este ciclo centrado en el saxo evidencian progreso y vigencia de la herramienta pero también sus distintas alianzas y contextos. Diferentes generaciones de músicos europeos y americanos desbrozando rutas y enriqueciendo el lenguaje de un instrumento que desborda los límites estéticos para abrazar el papel de símbolo.

Ciclo coordinado por Salvador Catalán.

11 mayo

TONY MALABY´S PALOMA RECIO (EEUU)

Tony Malaby, saxo

Ben Monder, guitarra

Eivind Opsvik, contrabajo

Nasheet Waits, batería

25 mayo

ATOMIC (Noruega y Suecia)

Fredrik Ljungkvist, saxo y clarinete

Magnus Broo, trompeta

Hävard Wiik, piano

Ingebrit Häker Flaten, bajo

Paal Nilssen-Love, batería

8 de junio

GREG OSBY & MARC COPLAND (EEUU)

Greg Osby, saxo

Marc Copland, piano

15 de junio

PARKER - GUY – LYTTON (UK)

Evan Parker, saxos tenor y soprano

Barry Guy, contrabajo

Paul Lytton, batería y percusión

Tarifa única: 9 euros

Venta anticipada en la taquilla del museo y www.unientradas.es

Venta en la taquilla del Auditorio una hora antes del espectáculo

Una vez comenzado el espectáculo no se permitirá la entrada al recinto

"Jazz en Nueva York. Una comunidad de visiones" de Lourdes Delgado.

2012-01-16T10:11:00.006+01:00

El proyecto "Jazz en Nueva York: Una comunidad de visiones" de la fotógrafa Lourdes Delgado examina cómo viven los músicos de jazz en Nueva York. A diferencia de la mayor parte de la fotografía existente de jazz, sus imágenes muestran a estos individuos en sus casas, como ciudadanos más que como artistas. Con más de 450 retratos de músicos de todas las edades, nacionalidades, culturas y tendencias musicales del jazz actual, la intención de la autora es que el proyecto sirva como estudio social, económico y cultural y que, a la vez, rompa con los estereotipos iconográficos heredados de los años cincuenta.

Realizado entre los años 2000 y 2007, Delgado utilizó una cámara de placas porque, gracias a su negativo de 10x12 cm de tamaño, pudo capturar con mucho detalle sus espacios. A la vez que documentaba la comunidad de jazz, Delgado elaboró un registro de los diferentes habitáculos de la ciudad de Nueva York, sus barrios, y los objetos cotidianos con los que esta sociedad vive. Otras particularidades del proyecto son, una, que la elección de los músicos no se basa en la opinión subjetiva de la autora sino que fueron los mismos músicos quienes eligieron qué otros músicos incluir; dos, que para que los retratos fueran más reveladores cada persona eligió dónde y cómo retratarse; y tres, que solo se trabajó una imagen por persona para así infundir al trabajo algo de la filosofía de riesgo continuo que tiene el jazz.

"Jazz en Nueva York: Una comunidad de visiones" presenta fotografías de músicos tan relevantes como Mark, Turner, Dewey Redman, Kenny Barron, Butch Morris, Lionel Loueke o Dave Douglas y puede visitarse en la sala de exposiciones del Campus de la Asunción de Jerez hasta el 24 de febrero de 2012. La muestra está organizada por el Servicio de Extensión Universitaria del Vicerrectorado de Proyección Social, Cultural e Internacional.

Nacida en Barcelona, Lourdes Delgado vivió en Nueva York quince años y actualmente reside en Arbúcies, Girona. Es ingeniera de informática por la Universitat Politècnica de Catalunya y fotógrafa profesional desde 1999. Ha trabajado para revistas como GQ, Elle, Newsweek, People, AARP, Woman, Stern, Spiegel, L’Espresso, Visão, Downbeat, JazzIz, y Modern Drummer y los dominicales de El País, ABC y La Vanguardia. Entre otras personas, ha retratado a Hillary Clinton, Al Gore, Rudy Giulani, Tom Wolfe, Isabel Allende, Philip Roth, George Soros, John Irving, Viggo Mortensen, Bono, Antonio Banderas y Merce Cunningham. Además, ha firmado fotos para muchos CD’s y páginas webs de músicos de jazz, incluidos Chick Corea, Kenny Barron, Greg Osby, Avishai Cohen, Brad Mehldau, Dr. Lonnie Smith, Ethan Iverson, Jeff Ballard y Ben Allison. Actualmente imparte clases de fotografía en las universidades CITM, ERAM e IDEP.

Fotos: Dave Douglas / Kenny Barron / Dewey Redman / Mark Turner.

Matthew Ingram aka Woebot: 100 Lost Rock Albums From The 1970s

2012-01-14T12:55:00.002+01:00

Info Wire:

Matthew Ingram, aka Woebot, has published a book titled 100 Lost Rock Albums From The 1970s. The book takes in strands of metal, glam rock, French artists, punk and pub rock, and is released digitally as a self-published eBook via Amazon. Ingram says: "Last year I started writing an article on the 100 Lost Rock Albums From The 1970s but it ballooned out of all proportions and I decided to turn it into an eBook.

"Over time we have lost touch with the original character of the 70s. Using 'lost' records I've attempted to re-examinine the decade and redress what I see as imbalance. Beyond small reviews of a meticulously-selected 100 albums there's quite a lot of contemporary history, much theorising and lots of gags."

100 Lost Rock Albums of the 1970s is available in Spain via anything that has a Kindle app.

Campus Rock Cádiz / Algeciras 2012

2012-01-11T20:17:00.004+01:00

30 enero 2012

THE FLESHTONES + THE SMOGGERS

20 marzo 2012

DAMIEN JURADO

26 marzo 2012

WILLIE NILE + SOUTHERN ARTS SOCIETY

19 abril 2012

GRUPO DE EXPERTOS SOLYNIEVE

Organiza: Servicio de Extensión Universitaria. Vicerrectorado de Proyección Social, Cultural e Internacional de la Universidad de Cádiz

...y Campus Rock / Sala Politécnica ALGECIRAS

26 enero 2012

CHRISTIAN KJELLVANDER + FALSO CABARET

23 febrero 2012

JOAQUÍN PASCUAL

(Surfin' Bichos, Mercromina, Travolta)

+ ...

Coorganizan: Servicio de Extensión Universitaria. Vicerrectorado de Proyección Social, Cultural e Internacional de la Universidad de Cádiz / Fundación Municipal de Cultura "José Luis Cano" de Algeciras.

Dave Davies: Hidden Treasures (1965-1973 / reed. 2011)

2012-01-09T20:52:00.003+01:00

Dave Davies Lost Album

Track Listings:

1. Susannah's Still Alive

2. This Man He Weeps Tonight

3. Mindless Child Of Motherhood

4. Hold My Hand

5. Do You Wish To Be A Man

6. Are You Ready

7. Creeping Jean

8. Crying

9. Lincoln County

10. Mr Shoemaker's Daughter

11. Mr Reporter

12. Groovy Movies

13. There's No Life Without Love

14. I Am Free

15. Death Of A Clown

16. Love Me Till The Sun Shines

17. Susannah's Still Alive

18. Funny Face

19. Lincoln County

20. There's No Life Without Love

21. Hold My Hand

22. Creeping Jean

23. This Man He Weeps Tonight

24. Mindless Child Of Motherhood

25. Mr Reporter

26. Hold My Hand

27. Good Luck Charm

This first ever compilation of Dave’s work for the Kinks combines all his great work for the band as well as his highly under rated solo material.

This newly remastered set done with the approval of Dave and mastered by Kinks archivist hopes to prove that there was not only one talented song writer in the band.

A one disc set with art work by award winning designer Phil Smee and notes by Kinks fan club’s Russell Smith contains a complete selection of well know Davies compositions as well as rare mono and alternative takes from Dave’s career with the band and on his own and hopes to remind the listener of the great work done by the man.

PlayGround: Top 15 álbumes 2011

2012-01-05T11:31:00.004+01:00

2011 en álbumes según PlayGroundMag

15. AraabMUZIK: “Electronic Dream” (Duke)

Que nadie vea este álbum como un capricho, una boutade o una freakada anecdótica. Ni siquiera como una colección de remezclas o una ridiculización de las fuentes originales –aunque la comunidad pastillera se haya echado las manos a la cabeza ante tamaña profanación–. “Electronic Dream” es la resolución de una ecuación imposible en nuestra cara. El trance épico, el dance comercial, el hardcore poligonero y la cyberdelia seborreica no se crean ni se destruyen, se transforman… en hip hop oscuro, seboso y dañino. Sonidos inofensivos y ridiculizados hasta la saciedad son, en Araabmuzik, cócteles molotov con clavos envenenados. Y la enajenación nos depara obras maestras como “Free Spirit” –mi iPod la odia de tanto darle– o “Feelin So Hood”, brutal y satánica remodelación del “Feelin’ So High” de Starchaser. Me inclino. Óscar Broc

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14. Gang Gang Dance: “Eye Contact” (4AD)

Partiendo, como lo hacen, de improvisaciones, es impresionante que el resultado en “Eye Contact” tenga un aspecto tan pop, aunque solo sea en la superficie, ya que a pesar de los continuos ganchos melódicos, los temas de este disco escapan de la estructura tradicional de las canciones pop. Es evidente lo bien que se conocen los componentes actuales del grupo entre ellos, y esta es la causa directa de que cada uno de los temas, dentro de la flexibilidad de sus estructuras, parezca tener una irrefutable lógica interna. Así, lo más interesante del disco es comprobar cómo los temas fluyen y van creciendo en intensidad, cómo dialogan unos elementos con otros, y como estallan inevitablemente en deliciosos momentos de éxtasis. El ejemplo más obvio, claro, es el de “Glass Jar”, los once minutos con los que arranca el álbum desperezando al oyente y remitiendo a las excursiones cósmicas de los setenta. Iván Conte

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13. Kuedo: “Severant” (Planet Mu)

Al principio, encontré en la música de “Severant” una cualidad nostálgica, aunque esto es algo que se desprende más de la variedad de sonidos que dibuja Kuedo más que de una intención real por su parte. La música está construida, principalmente, a partir de bases de juke / footwork y rap sureño –patrones de percusión intensos, acelerones de hi-hat y síncopes que están entre lo maniático y lo estimulante– combinadas con melodías que utilizan sonidos envolventes de sintetizador que citan de una manera casi obvia a artistas como Vangelis. No es ninguna sorpresa, pues fue Vangelis quien compuso la banda sonora de “Blade Runner”. Son esos sonidos de sinte que encontramos en “Scissors” y “Truth Flood” tras múltiples escuchas repetidas, con su cualidad sonora intrínseca siempre evocadora de nostalgia, los que te ayudan a ver más allá de esas emociones obvias para llevarte a un paisaje mucho más “real” y bello. Laurent Fintoni

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12. Metronomy: “The English Riviera” (Because Music)

En “The English Rivera” abundan saxos, maracas, teclados que suenan como guitarras y viceversa, falsetes al borde de la horterada (“Trouble”) y destellos de funk blanco. Todos los temas son fantásticos e imaginativos, tan eclécticos como meticulosamente ensamblados. “We Broke Free”, que suena tras escuchar el rumor de las gaviotas y de un oleaje cercano, no sólo presenta el paisaje invitándonos a entrar en el disco sino que parece decirnos entre líneas que estamos ante un nuevo amanecer para la banda. “The Look” es contagiosa como una gripe y “The Bay” un hitazo a la altura de los mejores Hot Chip. “Loving Arm” parece The Cure jugando al Tetris, la juguetona “Corinne” también se vale de ruiditos de videojuego para escribir su extraño ADN y “Some Written” recuerda a unos Penélope y Carlo de bajona en un hostalito costero. Al final, tras la galáctica “Love Underlined”, uno se queda con ganas de más, atrapado sin remedio bajo el influjo de un disco insaciable y muy bien cuadrado que les ha quedado redondo. CR

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11. Oneohtrix Point Never: “Replica” (Software Records)

Con “Replica” Daniel Lopatin se sacude cualquier posibilidad de estancamiento en su propuesta y ofrece una reinvención de su sonido. La emoción apuntada en los breves dos minutos de “Ouroboros” del anterior disco se convierte aquí en omnipresente. Así, el disco arranca con la calidez ambient cercana a la new age de “Andro” y demostrando una vez más su capacidad para crear pasajes sonoros capaces de evocar con fuerza paisajes geográficos, en este caso glaciales, desolados, en una suerte de revisión hipnagógica del romanticismo. Sobre estas placas de sonido helado planean los sintes y otros sonidos que hemos aprendido a asociar con Oneohtrix Point Never. Tras la calma inicial, el fondo sonoro empieza a agitarse con ruidos de diversa procedencia, hasta desembocar en una amalgama de ruido y percusión que enlaza a la perfección con el punto en el que lo había dejado al final de “Returnal”. IC

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10. Clams Casino: “Instrumentals” (Type)

En los últimos meses se ha multiplicado de manera casi asfixiante la publicación de discos de beats abstractos –casi todos venidos de la colmena californiana; casi todos con la intención de aprovechar el camino abierto por FlyLo–, y esa cantidad ha ido en detrimento de la capacidad para sorprenderse y encontrar matices nuevos en una estética que sigue siendo a priori interesante, pero cada vez más fotocopiada. En cambio, Clams Casino activa los centros del placer instantáneamente, sus bases –sencillas en el fondo, con un delicado lecho de sintetizadores, leves cuerdas sintéticas y más melodía que caja de ritmo– son de las que inmediatamente ponen a circular las endorfinas al transportar, de una forma nada forzada, apuntes de dream pop, soundtracks, shoegaze y pop bucólico a sus tejidos oníricos. JB

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9. James Blake: “James Blake” (Atlas-A&M)

Si el primer álbum de James Blake funciona no es como un disco de dubstep. Más bien se presenta como un nuevo eslabón en esa tradición británica del soul blanco cruzado con la electrónica más inquieta del momento. Aunque la referencia más clara en este sentido es la del estadounidense Arthur Russell, debido al registro emocional sustentado en una voz inmediatamente reconocible, en la fisicidad del sonido y en los graves y silencios, también se pueden ver rastros de Robert Wyatt o Scritti Politti, ya que al igual que estos Blake ha salido de un contexto de exploración electrónica muy concreto –el sonido Canterbury y el post-punk, en los casos de Wyatt y Scritti Politti– para renovar las posibilidades del soul-pop desde una óptica más experimental. IC

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8. Bon Iver: “Bon Iver, Bon Iver” (4AD)

Si su debut es un disco de eminentes raíces folk, entroncado en la tradición de Neil Young y demás iconos del género, “Bon Iver, Bon Iver” es un álbum de banda que ya no tiene tan claras sus coordenadas estilísticas porque presenta una absorbente amplitud de miras que se resiste a la clasificación. Con la ayuda de un grupo en el que encontramos a personalidades como el saxofonista Colin Stetson o el guitarrista Greg Leisz, Justin Vernon echa mano de influencias del pop y del soft-rock de los 80, amplifica su paleta de recursos expresivos (instrumentos de viento, coros, algún arreglo electrónico, algún solo de guitarra, omnipresencia de teclados, producción cargada, intensidad percusiva, paisajes ambient), se desmarca con una secuenciación portentosa y da un giro irresistible a sus canciones. Cuando la opción cómoda, asequible, segura, pasaba por acogerse a los esquemas ya asimilados de su ópera prima, el de Wisconsin ha optado por el camino contrario, un sendero repleto de trampas y peligros, mucho más arriesgado, en algunos momentos incluso polémico –“Beth/Rest” no dejará indiferente, órdago de mucho cuidado–, que nos lleva a dos grandes conclusiones: hay mucha vida más allá de “For Emma, Forever Ago” y Justin Vernon no es un cantautor al uso. DB

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7. Tim Hecker: “Ravedeath, 1972” / “Dropped Pianos” (Kranky)

El sonido sale escupido de aquí como si fuera una bola de viento, nieve y fuego con infinitos matices, alturas y volúmenes, y golpea el oído –de hecho, todo el cuerpo– como si fuera un muñeco de trapo maltratado por un ejército de puños. No es un cañonazo, sino una ráfaga de ondas a presión propia de un arma del futuro. Esos sonidos son de todo tipo: están los característicos drones de ruido maligno propios de Tim Hecker –recordemos: antiguo aficionado al metal extremo–, están los paisajes gélidos de electrónica contemplativa y están los usos inadecuados de todo tipo de instrumentos convencionales. Guitarras, pianos, y sobre todo un órgano de iglesia: un juego de planos y contraplanos arrojados contra el cuerpo del oyente como si fuera una olla de sopa hirviendo, un alud de nieve o un haz de rayos láser. Otra obra mayor más en la producción de Tim Hecker, uno de los grandes talentos del ambient moderno. JB

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6. The Roots: “Undun” (Def Jam)

Si esto no es la banda sonora del gueto nada puede serlo ya. Y todo ello armado desde un prisma expresivo y creativo poco acomodaticio, una portentosa exhibición de talento sublimado al servicio de una idea: presentar con sencillez y naturalidad canciones extremamente complejas y elaboradas. “Undun” no sólo es el disco de hip hop más bello de 2011, también es un maravilloso acto de rebeldía, una anomalía sin parangón en el género en los tiempos que corren. En un momento en que se premia la inmediatez, las prisas y la explosividad del aquí y ahora, The Roots demuestran a todo el mundo que esto es un viaje de largo recorrido y que a veces necesitas haber grabado diez álbumes para dar con tu referencia más redonda y completa, sin un solo minuto de relleno o fuera de lugar, y con un dominio impecable y ejemplar de la emoción. Podemos interpretarlo como queramos –¿es un disco sobre la muerte o sobre la vida? ¿es una parábola sobre la actualidad social o sobre el estado del hip hop?–, pero sea cual sea nuestra lectura la conclusión debe ser exactamente la misma: agradecimiento eterno. DB

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5. Balam Acab: “Wander / Wonder” (Tri Angle)

El debut en LP de Balam Acab guarda algunas similitudes con Burial, o mejor dicho, con el efecto interior que sembraba Burial cuando se le escuchaba por primera vez y te dejaba el estómago hecho un ovillo y el corazón sobrecogido. Los parecidos son más espirituales que estéticos, abren una puerta a una dimensión parecida del sonido bello, aunque uno lo conseguía desde el dubstep y la larga tradición de la música rave inglesa y Balam Acab lo hace desde el R&B y el pop –eso sí, con un uso de las voces parecido y sin descuidar nunca el deslizamiento ambiental de los temas–. El signo distintivo de Balam Acab, el tipo de música que le hace único, se aprecia sobre todo en “Motion”, una fantasía soul –con generosos juegos malabares de cuerdas– inundada en ambient acuático por la que flotan trenzados vocales que antes encontrábamos en TLC o Aaliyah. Momentos así indican que en su educación musical debe haber muchas horas de radio escuchando las emisoras de hip hop y tomando nota de esas gargantas de azúcar y las bases de inclinación más futurista. Pero eso es sólo una parte del admirable conjunto que es “Wander / Wonder”, pues cualquier estilo o límite queda diluido entre una asombrosa inundación de texturas. JB

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4. PJ Harvey: “Let England Shake” (Island)

“Let England Shake” es un disco político, pero a la ‘Harvey manera’. En sus versos hay referencias a la Primera Guerra Mundial, a los nacionalismos, a los tiempos históricos de Entreguerras, al desastre de Galípoli de 1915 en Turquía, a Irak y Afganistán, a las pinturas negras de Goya y al simbolismo pictórico de la Guerra Civil de Salvador Dalí. El resultado: otro disco sobrecogedor, fantasmagórico, tétrico, absolutamente distinto y perfecto sobre el comportamiento cíclico de los humanos que les lleva a luchar y a estar en conflicto permanente. Desde el inicio del disco con la homónima “Let England Shake” PJ dibuja con imágenes ultraviolentas –“soldados que caen como cachos de carne”– cantadas con una voz tenebrosamente feliz un campo de batalla lleno de sangre y sumido en tinieblas eternas. PJ se convierte en una trovadora que entona las calamidades de la guerra, una juglar que iría trotando de ciudad en ciudad musicando historias atroces que son los doce cortes de su álbum. La música es etérea, la voz enérgica, los versos brutales: en ellos está toda la importancia, oscuridad trascendencia y grandeza de este disco. Marta Hurtado de Mendoza

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3. Rustie: “Glass Swords” (Warp)

La colección de ideas por minuto que ofrece “Glass Swords” es difícil de encontrar en cualquier otro disco que funcione en esas intersecciones entre (a escoger) el boogie, el hip hop, el post-dubstep, el sonido de videojuegos y/o la IDM. Hay álbumes muy buenos ahí fuera, pero el de Rustie los embute a todos en uno solo, en poco más de 40 minutos, con una voracidad implacable y sin parecer nunca apresurado. Eso es lo milagroso: las ideas se suceden con ansia bulímica, las engulle y las metaboliza sin haber podido reaccionar y tras un giro inesperado viene otro, pero nunca se tiene la sensación –como ocurría antes con sus propios beats– de estar siendo maltradado mentalmente, de estar sufriendo una violación a través del oído. Ahí está expuesto, al desnudo, todo su talento: sintes clintonianos –y clitoridianos– y melodías propias de Hall & Oates, beats selváticos, incursiones en el ghetto-tech con voces de ardilla y sintes rampantes, híbridos entre trance épico y boogie extra-brillante, crunk expresionista y así hasta llegar a “Crystal Echo”, donde todo, de una manera muy natural, y sin querer abusar más de la paciencia del oyente –que ha sido forzada hasta justo el límite que separa el placer del dolor–. JB

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2. Erik Urano & Zar 1: “Energía Libre” (autoeditado)

Erik Urano y Zar 1, ambos miembros de Urano Players, entregan catorce cortes de hip hop subterráneo, sintético y radioactivo que ahondan la brecha que separa su propuesta renovadora de la del pelotón del rap “made in Spain”. Zar 1 y DJ Porre se ocupan de forma magistral de edificar ritmos, frecuencias espaciales, sintes en órbita y scracthes tóxicos (a veces enfocados hacia un nuevo boom bap, otras más cercanos a la deformidad wonky y al beatmaking de formas abstractas de escuela angelina). Erik saca azufre y colores de la maquinaria escrita, construyendo un manual de supervivencia urbana (crónicas de realidad cotidiana y comentario social encriptadas a base de metáforas complejas y referencias cruzadas, ejercicios líricos alrededor de la vida urbana, sus tropiezos y sus pequeñas victorias, episodios de autoafirmación y autoconocimiento necesarios para sobrellevar el día a día en medio de un mundo que hace aguas) y evasión de resonancias cósmicas que entronca con “Voyager Rock's”, dilatando su ya larga sombra con nuevas dosis de actitud e ideología. El sol vuelve a girar alrededor de Urano. Luis M. Rguez

1. The Weeknd: “House Of Balloons” (Self-Released) / Drake: “Take Care” (Young Money Entertainment)

“Thank Me Later” mostraba una dirección musical dispersa, demasiado obsesionada con la idea de consenso, y fragmentaba en exceso el recorrido entre aquellos momentos de exaltación eufórica y los episodios más introspectivos y sombríos. Ese eclecticismo mal aplicado acababa contaminando parte del camino de Drake y le restaba convicción a su propuesta, ensalzando con mucha fogosidad cuatro o cinco hits incontestables pero dejando de lado muchos minutos de relleno que el paso de los días ha acabado olvidando con facilidad. “Take Care” corrige ese problema con un concienzudo y elaborado trabajo de producción que busca más unidad estética y emocional y, también, muy importante, más cohesión con el contenido lírico de las canciones para sentar las bases de un sonido renovado, sutil, de irresistible melancolía noctámbula y urbana, que pueda capturar con la máxima fidelidad posible la intensificación emocional de sus nuevas rimas. La presencia de The Weeknd en “Crew Love” presagiaba el cambio. Y una parte de “Take Care” viene a confirmar que el autor de “House Of Balloons” es una influencia más que puntual, se diría que incluso fundamental, en la configuración general de este disco. DB

¿Existe el R&B indie? En cierto modo, los primeros maxis de Junior Boys lo eran –mezclaban una sensibilidad synth-pop romántica con beats al estilo Timbaland–, y esta mixtape de The Weeknd trae recuerdos y emociones similares a los de “High Come Down”. Primero, los responsables de las canciones también son canadienses y prefieren mantener un aura de misterio. Porque una razón importante del revuelo que han causado The Weeknd en la red está precisamente en eso, en la incógnita de su identidad. La mecha la encendió Drake vía Twitter, al escribir letras de canciones como “Wicked Games” y colgar audios en su web. Se sospechó que The Weeknd podía ser un proyecto paralelo de alguno de sus productores, pero no hay tal cosa: sólo admiración sincera por un songwriting estratosférico y una producción que se sitúa en un intervalo a medio camino entre el R&B hi-tech y el pop vaporoso con influencias de la música negra; es decir, exactamente en el punto de equilibrio entre The-Dream y How To Dress Well. ¿Por qué es fan Drake de The Weeknd? Porque ve en él a quien fue antes de dar el salto al mainstream: un cantante notable –Abel Tesfaye no rapea, sólo emite gorgoritos– y que no tiene miedo en expresar sus debilidades, deseos y miedos en letras que son como entradas de un diario personal. Este “House Of Balloons” es algo demasiado especial para ser ignorado o manchado. Ninguna canción sobresale por encima de las demás y todas van sobradas de calidad. Otra estrella ha nacido, internet ha sido su caldo de cultivo, pero de The Weeknd no se va a reír nadie. Más bien conseguirá, con tiempo, con suerte y sin apremios, que nos postremos ante él. JB

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Tiny Mix Tapes: Favorite 50 Albums of 2011.

2011-12-20T18:31:00.004+01:00

50. Tom Waits - Bad As Me

49. Liturgy - Aesthethica

48. Matana Roberts - COIN COIN Chapter One: Gens de couleur libres

47. Kurt Vile - Smoke Ring For My Halo

46. A Winged Victory For The Sullen - A Winged Victory For The Sullen

45. Tiziana Bertoncini & Thomas Lehn - Horsky Park

44. The Psychic Paramount - II

43. St. Vincent - Strange Mercy

42. Zomby - Dedication

41. Fabio Orsi - Stand Before Me, Oh My Soul

40. Kreng - Grimoire

39. Arrington de Dionyso’s Malaikat dan Singa - Suara Naga

38. Earth - Angels of Darkness, Demons of Light 1

37. Telebossa - Telebossa

36. Future Islands - On the Water

35. The Men - Leave Home

34. Panda Bear - Tomboy

33. Rafael Toral - Space Elements Vol. III

32. M83 - Hurry Up, Were Dreaming

31. EMA - Past Life Martyred Saints

30. Lil B - I’m Gay

29. Thee Oh Sees - Castlemania

28. Thee Oh Sees - Carrion Crawler/The Dream

27. The Weeknd - House Of Balloons

26. Amen Dunes - Through Donkey Jaw

25. Hype Williams - One Nation

24. Bill Orcutt - How The Thing Sings

23. PJ Harvey - Let England Shake

22. Death Grips - Exmilitary

21. James Ferraro - Far Side Virtual

20. DJ Rashad - Just A Taste Vol. 1

19. Sean McCann - The Capital

18. The Flaming Lips - The Strobo Trip: Light and Audio Phase Illusions Toy

17. Dirty Beaches - Badlands

16. KWJAZ - KWJAZ

15. Bill Callahan - Apocalypse

14. Peaking Lights - 936

13. Shabazz Palaces - Black Up

12. tUnE-YarDs - w h o k i l l

11. Tim Hecker - Ravedeath, 1972

10. Demdike Stare - Tryptych

09. Destroyer - Kaputt

08. Gang Gang Dance - Eye Contact

07. John Maus - We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves

06. Grouper - A I A

05. DJ Diamond - Flight Muzik

04. The Caretaker - An Empty Bliss Beyond This World

03. Colin Stetson - New History Warfare Vol. 2: Judges

02. James Blake - James Blake

01. Oneohtrix Point Never - Replica

Best 2012: Ángel Gómez Aparicio.

2011-12-19T14:19:00.004+01:00

La lista de 2011 de Ángel Gómez Aparicio: casi en exclusiva, comentada y con - obvia decirlo - altísimo nivel.

Esta es simplemente la lista de los discos de 2011 que me gustaría tener/guardar/volver a escuchar siempre que quiera, ya me despierten la admiración, la identificación, me produzcan sorpresa o productiva incomprensión, o me hagan abandonarme a su belleza, sea esta intelectual o sensual. No dudo del valor del Birds songs de Joe Lovano, por poner un ejemplo, pero sé que voy a encontrar en él, y me falta esa pérdida de equilibrio, ese perderse aunque sea momentáneamente en algo que no es uno mismo, que tiene lo que es grande. O, mejor, más grande que grande. Es lo que se queda con uno. Quizás sea esta mi más clara declaración sobre la estética que gobierna esta lista.

Me he quedado en alrededor de 190 discos editados este año - ha habido alguno q no he dejado de escuchar muchos meses (Craig Taborn es el caso más significativo)-. No soy capaz de dar un orden para ella, o mejor aún, confiar en uno: una con un orden alfabético me resulta tan convencional como para significar tan poco como el caos - aunque produce confianza-. Un orden cronológico daría idea de la durabilidad de las impresiones... esta tiene un orden aproximativo, que es tan variable como el tiempo pero tan holgado como para sentirme cómodo:

Craig Taborn - Avenging Angel (ECM). Este es el disco que más me he puesto este año. Me pasma y desconcierta. Es el resultado de un músico que ha escuchado y digerido mucho y tiene por tanto cientos de puntos de referencia, de un músico que concibe el piano como una maquina de hacer música y que no tiene virtuosismo sino pianismos. Se encierra 2 días en un estudio y sin preconcepciones sale este disco improvisado, que apunta en muchas direcciones, que admite muchas pieles y formas muy distintas; un músico libre. Un disco que cada vez que se pone desata una nueva batería de preguntas.

Peter Evans 5tet - Ghosts - Evans produce discos tan abracadabrantes que nublan el sentido crítico. Ghost posee poderío instrumental a manos de unos políglotas que pueden con todo, despierta discusiones teóricas sin necesidad de proponerlas (¿future jazz/steam punk bop?), y sobre todo hay un convencimiento, un lanzarse, que provoca el entusiasmo. Su pianista, un hallazgo.

Miles Davis: The Bootleg Series Vol 1. Live in Europe 1967 (Sony Legacy). Si la música de Ornette Coleman fue descrita como la vanguardia eterna, no cabe duda que la del 2º quinteto de Miles debería serlo como la del afilado perpetuo. Hay discos editados este año – y contables entre los mejores -, como The Talented Mr Pelt de Jeremy Pelt o el exultante Snuck In de David Weiss ‘ Point of Departure que siguen bebiendo de su coalescencia de sus voces. Unas grabaciones en su etapa final no pueden ser sino consumidas con adicción – ya lo eran las hace no mucho editadas grabaciones de su gira japonesa con Sam Rivers - : Shorter resulta cada vez más fragmentario, cada vez más enigmático, el espacio armónico que se le permite a Hancock es cada vez más estrecho y le fuerza a lanzar respuestas gradualmente más extrañas, el detonador que es Tony Williams precipita cambios sin parar, Carter milagrosamente sabe estar donde todos van a caer y Davis está en una voz magnífica: agresiva, llena de recursos, sin reticencias. Esta música sigue siendo de conducción peligrosa, siempre al borde del vuelco, siempre buscando a donde ir. Un reguero de keroseno ardiente. Las imágenes, impagables: nadie del grupo intercambia una mirada. Los oídos guían.

Fred Hersch- Somebody else's song but mine (Venus) - el haber sido editado en un sello japonés juega en su contra, sencillamente una de las muestras más exquisitas, vivas, sabias y sabrosas de lo que es tocar en trío a estas alturas del desarrollo del jazz - eso que los anglófilos llaman state of the art- . Una sabiduría que se extiende hasta la elección de un programa variado y programado en el cd para conseguir un arco de tensión perfecto.

John Escreet - The Age We Live In (Mythology), este año hay discos que reverdecen el jazz rock de los 70, como los de Donny McCaslin, Rudresh Mahanthappa o Carlo de Rosa, todos discos fortísimos ... para mi ninguno supera a este en ese toque maníaco y sobrecomplicado que el genero buscaba. Hay además composiciones de valía (Escreet no aburre), un Wayne Krantz de quilates, un entendimiento grupal de impacto y una flexibilidad superior a los antes citados, que, con la excepción de Rudresh, tienden a sonar amazacotados./ la oposición de manos de Escreet crea material muy tendo y Exception to the Rule (Criss Cross) es un disco parejo - y no tengo corazón para elegir (aunque últimamente me incline + por este 2º)-. En él se nota más que Escreet es seguidor de Andrew Hill y alumno de Dave Binney, aunque con estética totalmente propia. Binney quema en este disco, a veces da la impresión de estar escuchando a Steve Coleman. El tema título, un tour de force.

Dave Binney: Greylean Epicener (Mythology)/ Barefooted Town (Criss Cross). No deja de ser curioso que la situación de Escreet refleje la de su mentor Binney. Su disco en su sello es una declaración de principios, su apuesta por un disco mayor y cuece un álbum lleno de interés, impresionante pero por momentos indigesto. Se relaja en Criss Cross y sale un trabajo redondo, con grandes melodías, sin presión, con su característico método de composición (temas hímnicos llenos de vericuetos) y un toque de alto nivel por parte de Dan Weiss (puff, qué maravilla es escucharle), Akinmusire y el líder. El primero es muy valorable y no se parece a nada en el panorama actua;, el segundo es más amigable y es imposible no canturrear Dignity o la maravillosa The Edge of Seasons (perderse estos temas es quedarse más pobres).

BB & C The Veil (Cryptogramophone) - Una improvisación continua en los que Berne, Black y Cline pasan del jazz al metal pasando por el impro, sombras funk y el rock. Dividido en digeribles piezas, las hay, como Rescue Her que alcanzan el fundido. Cline es el héroe pero ¿dónde no lo es? Cline fue el guitarrista de los 1ºs CDs de Berne, Black, el batera de sus Bloodcount, se conocen alrededor de Berne. Si crees que Berne está con su alto en inferioridad de condiciones, sus frases recortadas, su trabajo sobre motivos en ciclos, su impulso, deshacen murallas. Esto es una impro bien vehiculada.

Miguel Zenón - Alma Adentro (Marsalis music). Uno escucha Incomprendido y se deshace. Zenón quiere sonar en este disco de canciones portorriqueñas como un crooner y en este tema de bobby capó emboba. Los arreglos de maderas de Guillermo klein son fantasmales o ligeros y breves como una brisa. Quizás algo desigual pero sigo pensando que Zenón es un genio, y creo que está haciendo más por el jazz actual que muchos nombres más sonados. ¿qué se puede decir de alguien que une en su toque la escuela francesa de saxo, Parker, Coltrane y Steve Coleman? ¿ qué se puede decir de alguien que une en sus piezas lo folclórico, las matemáticas y los sistemas y que todo suene fluido? Y el entendimiento de su banda es otra cosa a años luz de lo habitual. Zenón tiene el don de la claridad y si sus otros discos, en particular los primeros suenan seriotes y demasiado concernidos consigo mismos, aquí hay algo de humor.

Ambrose Akinmosure - When the heart emerges glistening (Blue Note). Desconfía de los títulos portentosos... no, aquí cuadra, el corazón sí emerge reluciente en él. Un disco curativo, movido por una necesidad de ponerlo en circulación, claro, accesible sin dejar de ser exigente en el toque, sobre todo grupal. uno se siente mejor cuando termina de escucharlo, en un sitio, en un mundo mejor, la razón? Akinmusire no deja de contar historias nobles con nobleza y humildad,

Las reediciones son muy claras

- Bill Dixon: Intents & Purposes ( Phonograph International)

- Julius Hemphill: Dogon A D ( Phonograph International)

- Marion Brown – Geechee Recollections –Sweet Earth Flying (Impulse)

-Heiner Stadler – Tribute to Bird and Monk (Labor Records)

Unos cuantos que podrían ocupar el lugar del 13º

Wadada Leo Smith’s Organic - Heart’s Reflection (Cuneiform) , largo y con un casting sobredimensionado pero con temas muy buenos y un soberbio Shannon Jackson.

Medeski, Scofield, Martin and Wood – In case the World changes its Mind (¿un placer culpable?), me lo pongo y ¡groove!

Rudresh Mahanthappa - Samadhi (ACT), poderoso como pocos, empatado con el Rez Abassi, me producen algo muy parecido. El piano de Vijai en el 2º me hace a veces preferirlo.

Tim Berne - Insomnia (Clean feed) No tiene mucho sentido explicar que necesito un par de Bernes al año (este he tenido 3)

Adam Cruz - Milestone (Sunnyside) ¡ Qué solos se marca Chris Potter!

New Zion Trio Fight against Babylon (Veal) Hear I Jah, es uno de los temas que más he puesto este año: adictivamente trippy. Esto es dub jazz de verdad. Saft lidera con finesse, pero es detrás, en el departamento rítmico con Grenadier y Santiago donde ocurren las cosas.

SIDE A: New Margin (Clean Feed). Un año sin disco de Vandermark no es año. Kafka on Flight de la Resonance Ensemble sería el más obvio candidato. Para mi es este en virtud al formidable invasivo pianismo de Havaard Viik (igualmente arrollador en el Here Comes Everybody de Atomic, disco de excelente inicio pero que se va apagando), el trabajo de barítono de Vandermark y la percusión viva y de colores distintos a lo q normalmente oímos con Vandermark, de la mano de Chad Taylor. Muy buenas composiciones también. Llámese esta una elección ideológica si se quiere.

Stephan Crump & Steve Lehman: Kaleidoscope & Collage (Intakt) Conectabilidad parece ser el motto de esta sesión, breve, 30 y pocos minutos: 2 temas en los q piezas cortas van ensamblándose en una proliferación de toques, recursos, estructuras de gran riqueza. Crump y Lehman, alumnos de Braxton y Moran, dan una muestra excepcional de qué es hacer música juntos a base de oído, respuesta y capacidad arquitectónica. No pienses que es pobre por ser sólo alto y contrabajo, aquí hay tanto comprimido en pocos minutos como en cds dobles.

David Weiss Point of Departure- Snuck Out! (Sunnyside) Esto no es simplemente cójanse los mejores elementos de los 60 en proporciones adecuadas y caliéntese hasta llegar a temperatura de fisión. Hay aquí una vida, un arrojo, una química de equipo y un sentido del repertorio como algo a abrir y abrir que engancha, y mucho. Si Snuck In era muy bueno, este llega a la excelencia. Ni un momento baja la llama, y Justin brown, JD Allen y Nir Felder están tremendos. Puede decirse que todo viene del 5teto de miles, de acuerdo, pero ¡qué ardor!

Orrin Evans- Captain Black Big Band (Posi Tone). Me gustan las big bands cuando son vociferantes hasta lo tempestuoso, hambrientas hasta ser capaces de engullir todo y con un swing que fuerce a la rendición incondicional. Esta lo tiene, y veo que hay mucho en ella de continuidad con la de Charles Tolliver. Su versión de The Art of War es demoledora. Evans ha editado otro disco este año, Freedom (posi tone), al mismo nivel que este, un disco más mainstream, de proporciones perfectas, un disco de muchas escuchas también.

Pandelis Karayorgis 5tet - System of 5 (Hat Hut) Un grupazo injustamente pasado por alto. Karayorgis es un individualista absoluto que parece venir de Tristano pero no del todo. Su banda es un vendaval que toca muy fuerte en este disco. Su trombonista es buenísimo.

SPIN's 50 Best Albums of 2011

2011-12-15T19:09:00.005+01:00

50. Britney Spears, Femme Fatale

49. Yob, Atma

48. Various Artists, Drive (Original Motion Picture Soundtrack)

47. Gillian Welch, The Harrow and the Harvest

46. Foo Fighters, Wasting Light

45. Azari & III, Azari & III

44. The Roots, Undun

43. Kendrick Lamar, Section.80

42. Eric Church, Chief

41. Frank Ocean, Nostalgia, Ultra

40. Jay-Z and Kanye West, Watch the Throne

39. Beyonce, 4

38. Zola Jesus, Conatus

37. The Field, Looping State of Mind

36. The Black Keys, El Camino

35. Washed Out, Within and Without

34. St. Vincent, Strange Mercy

33. Fleet Foxes, Helplessness Blues

32. Hayes Carll, KMAG YOYO (& other American stories)

31. Yuck, Yuck (Deluxe Edition)

30. tUnE-yArDs, w h o k i l l

29. Lady Gaga, Born This Way

28. Tim Hecker, Ravedeath, 1972

27. Big K.R.I.T., Return of 4Eva

26. Liturgy, Aesthethica

25. Cass McCombs, Wit's End/Humor Risk

24. Deer Tick, Divine Providence

23. Iceage, New Brigade

22. Drake, Take Care

21. Youth Lagoon, The Year of Hibernation

20. Shabazz Palaces, Black Up

19. M83, Hurry Up, We're Dreaming

18. SBTRKT, SBTRKT

17. Dum Dum Girls, Only in Dreams

16. Das Racist, Relax

15. The Men, Leave Home

14. Bon Iver, Bon Iver

13. The Weeknd, House of Balloons/Thursday

12. Telekinesis, Desperate Straight Lines

11. Stephen Malkmus and the Jicks, Mirror Traffic

10. Lykke Li, Wounded Rhymes

9. Wild Flag, Wild Flag

8. G-Side, The One...Cohesive

7. The Rapture, In the Grace of Your Love

6. Danny Brown, XXX

5. Girls, Father, Son, Holy Ghost

4. Kurt Vile, Smoke Ring for My Halo

3. EMA, Past Life Martyred Saints

2. PJ Harvey, Let England Shake

1. Fucked Up, David Comes to Life

Ted Gioia: The 100 Best Albums of 2011.

2011-12-09T23:23:00.002+01:00

I try to listen to new music every day, and have made this a part of my daily routine for many years. I'm not sure how many new CDs I heard during the course of 2011, but on some days I listen to four or more albums in their entirety, and a typical week will find me checking out 15-20 new releases. As the list below makes clear, I tend to range widely over various styles and genres.

I am impressed by how much outstanding music is recorded nowadays, but I am equally struck by how well hidden it is. More than at any time in my life, the best music is hard to find. You will almost never hear it on the radio, and increasingly it is not even on the radar screens of the major labels. The record stores, where fans once learned about important new releases, have mostly gone out of business. Even as music becomes more omnipresent and accessible, new barriers prevent listeners from hearing the most talented

and creative artists.

For this reason, I am sharing a more complete listing of my favorite albums this year. In a world in which the best music is hidden from view, personal recommendation and word-of-mouth become the main gateways for discovering exciting new sounds. I present this large list as a guide to those who are looking for inspiring, intelligent and mind-expanding music, and want some guidance from someone who sifts through the many new releases looking for the cream of the crop.

Below are my selections for the 100 best CDs of 2011. I encourage you to check out some artists that you haven't heard before. And if you hear something you like, spread the word.

Ted Gioia

The 100 Best Albums of 2011

1 William Elliott Whitmore: Field Songs / Americana / Roots Music

2 Tinariwen: Tassili / World music

3 Fred Hersch: Alone at the Vanguard / Jazz

4 Bon Iver: Bon Iver Folk / pop

5 Joshua Redman: James Farm / Jazz

6 Nico Muhly: Seeing is Believing / Contemporary classical

7 Ambrose Akinmusire: When the Heart Emerges Glistening / Jazz

8 Now Ensemble: Awake / Contemporary classical

9 Keith Jarrett: Rio / Jazz

10 Gary Clark Jr.: The Bright Lights EP / Blues

11 L Konitz, B Mehldau, C Haden & P Motian: Live at Birdland / Jazz

12 Gustavo Dudamel: Bruckner / Sibelius / Nielsen Classical

13 Adam Cruz: Milestone / Jazz

14 Todd Reynolds: Outerborough / Contemporary classical

15 Pat Metheny: What's It All About / Jazz

16 Lara Downes: 13 Ways of Looking at the Goldberg / Contemporary classical

17 Fleet Foxes: Helplessness / Blues Folk rock

18 James P. Johnson: Jazz Nocturne / Classical concert jazz

19 Andy Statman: Old Brooklyn Americana / Roots Music

20 Liza Ferschtman Julius Röntgen: The Violin Concertos / Classical

21 Glenn Kaiser: Cardboard Box / Blues

22 Charles Lloyd & Maria Farantouri: Athens Concert Jazz / World Music

23 The Decemberists: The King is Dead / Indie folk rock

24 Vasily Petrenko: Shostakovich: Symphonies 6 & 12 / Classical

25 Amina Alaoui: Arco Iris / World music

26 Phantasm William Byrd: Complete Consort Music / Classical

27 Chick Corea & Stefano Bollani: Orvieto / Jazz

28 James Whitbourn: Living Voices / Contemporary classical

29 Bombino: Agadez / World music

30 Laura Marling: A Creature I Don't Know / Folk pop

31 Sonny Rollins: Road Shows, Vol. 2 / Jazz

32 Phillip Schroeder: Passage Through a Dream / Contemporary classical

33 Miguel Zenón: Alma Adentro: The Puerto Rican Songbook / Latin jazz

34 Kronos Quartet: Uniko / Contemporary classical

35 Kenny Brown: Can't Stay Too Long / Blues

36 Marcin Wasilewski: Faithful / Jazz

37 Robert Aldridge: Elmer Gantry / Contemporary opera

38 Anthony Wilson: Seasons / Jazz

39 Eilen Jewell: Queen of the Minor Key / Americana / Roots Music

40 Chicago Symphony Orchestra: Brass Live / Classical

41 John Wesley Harding: The Sound of His Own Voice / Singer-songwriter

42 Spaces: Nothing Exists but Atoms and the Void / Celestial rock

43 Tony Bennett: Duets II Great / American Songbook

44 The Reverend Peyton's Big Damn Band: Peyton on Patton / Blues

45 Craig Taborn: Avenging Angel / Jazz

46 Guy Clark: Songs and Stories / Country

47 Hilary Hahn & Valentina Lisitsa: Charles Ives: Four Sonatas / Classical

48 Rudresh Mahanthappa: Samdhi / Jazz

49 Glenn Jones: The Wanting / Folk

50 Mieczysław Weinberg: Piano Works / Classical

51 Eddie Vedder: Ukulele Songs / Singer-songwriter

52 B. Mehldau, K. Hays & P.Zimmerli: Modern Music / Contemporary classical

53 Michael Giacchino: Soundtrack to Super 8 / Soundtrack

54 Kevin Devine: Between the Concrete and Clouds / Indie rock

55 Jefferson Friedman: Quartets / Contemporary classical

56 Denny Zeitlin: Labyrinth / Jazz

57 Wilco: The Whole Love / Folk rock

58 The Head and the Heart: The Head and the Heart / Indie folk-pop

59 Various artists: The Lost Notebooks of Hank Williams/ Country

60 Collin Vallon: Rruga / Jazz

61 The Unthanks: Last English / folk

62 Brad Mehldau: Live in Marciac / Jazz

63 Fabrice Ravel-Chapuis: En Danger / Contemporary classical

64 Radiohead: The King of Limbs / Rock

65 The Civil Wars: Barton Hollow / Indie folk

66 James Carter: Caribbean Rhapsody / Jazz

67 Wye Oak: Civilian / Indie folk rock

68 Enrico Rava: Tribe / Jazz

69 Chris Dingman: Waking Dreams / Jazz

70 Simone Dinnerstein: Bach: A Strange Beauty / Classical

71 Becca Stevens Weightless: Jazz-inflected / folk music

72 Anonymous 4: Secret Voices Early music

73 Gretchen Parlato: The Lost and Found / Jazz

74 Moreland & Arbuckle: Just a Dream / Electric blues

75 Bobby Long: A Winter Tale / Singer-songwriter

76 Joe Lovano: Bird Songs / Jazz

77 Thomas Dybdahl: Songs Norwegian / Singer-songwriter

78 Dave Alvin: Eleven Eleven / Blues Rock

79 Gerald Wilson: Legacy / Jazz

80 Dario Marianelli: Soundtrack to Jane Eyre / Soundtrack

81 JD Allen: Victory / Jazz

82 Vince Gill: Guitar Slinger / Country

83 Bobby Sanabria Tito Puente: Masterworks Live! / Latin jazz

84 Julian Lage: Gladwell / Jazz

85 George Strait: Here for a Good Time / Country

86 Joss Stone: LP1 / R&B/Soul

87 Memory Tapes: Player Piano / Ambient

88 Jeremy Pelt: The Talented Mr. Pelt / Jazz

89 Mary Flower: Misery Loves Company /Blues

90 Striggio: Mass in 40 Parts / Classical

91 Adele: 21 / Singer-songwriter

92 Blue Highway: Sounds of Home / Bluegrass

93 Ben Allison: Action-Refraction / Jazz

94 St. Vincent: Strange Mercy / Indie rock

95 Thomas Dolby: A Map of the Floating City / Singer-songwriter

96 Lady Antebellum: Own the Night Country / Pop

97 Mathias Eick: Skala / Jazz

98 Volosi and Lasoni: Wołosi i Lasoniowie / World Music

99 Steve Mackey & So Percussion: It Is Time / Contemporary classical

100 Gary Burton: Common Ground / Jazz

FACT magazine: 50 best Reissues of 2011.

2011-12-09T23:11:00.002+01:00

1.- Ariel Pink's Haunted Graffiti - The Doldrums
2.- Genius/GZA - Liquid Swords
3.-Bruce Gilbert - This Way With The Shivering Man
4.- Theo Parrish - Uget
5.-Mark Hollis - Mark Hollis
6.- Throbbing Gristle - The Second Annual Report Of Throbbing Gristle
7.- Talk Talk - Laughing Stock
8.- How To Dress Well - Love Remains
9.- Beach Boys, The - Smile
10.- Harald Grosskopf - Synthesist / Re-Synthesist
11.- Kevin Drumm - Imperial Distortion
12.- Spacemen 3 - Transparent Radiation
13.- LFO - Frequencies
14.- Galaxy 2 Galaxy - Galaxy 2 Galaxy
15.-Pierre's Pfantasy Club - Mystery Girl (Set Me Free)
16.- Chris & Cosey - Songs Of Love & Lust
17.- Cabaret Voltaire - Johnny Yesno: The Original Soundtrack From The Motion Picture
18.- [ a. d. l. r. ] - Let's Go Swimming
19.- Ol' Dirty Bastard - Return To The 36 Chambers: The Dirty Version
20.- Disco Inferno - The 5 EPs
21.- Biosphere - Substrata
22.- Faith - Subject To Change Plus First Demo
23.-Belbury Poly - The Willows
24.- Smiths, The - Complete

25.- Mark McGuire - A Young Person's Guide To Mark McGuire
26.- Spiritualized - Lazer Guided Melodies
27.- Conrad Schnitzler - Ballet Statique
28.- MF Doom - Operation: Doomsday
29.- This Mortal Coil - This Mortal Coil
30.- Virgo Four - Resurrection
31.- Art Of Noise - Who's Afraid Of The Art Of Noise
32.- Plastikman - Arkives 1993 - 2010

33.- Gray - Early Works
34.- Normal, The - T.V.O.D. / Warm Leatherette
35.- Manuel Göttsching - Inventions For Electric Guitar
36.- Lee "Scratch" Perry - The Return Of Pipecock Jackxon
37.- Sweet Exorcist - RetroActivity
38.- Archers Of Loaf - Icky Mettle
39.- Hecker - Sun Pandämonium
40.- Jeff And Jane Hudson - Flesh
41.- Various - Tempo Explosion
42.- Pump - The Decoration Of The Duma Continues
43.- Various - The Hidden Tapes
44.- AFX / Autechre - Quex-Rd / Skin Up You're Already Dead
45.- Nick Cave And The Bad Seed - Murder Ballads
46.- Michael Chapman - Fully Qualified Survivor
47.- Roedelius - Selbstportrait - Vol. II
48.- Drexciya - Deep Sea Dweller
49.- Regis - Gymnastics
50.- Dome - Dome

FACT magazine: 50 best albums of 2011.

2011-12-09T23:00:00.004+01:00

50 Xander Harris – Urban Gothic

49 Africa Hitech – 93 Million Miles

48 Juicy J & Lex Luger – Rubba Band Business 2

47 Container – LP

46 Damu – Unity

45 Blanck Mass – Blanck Mass

44 Björk – Biophilia

43 Wild Beasts – Smother

42 2562 – Fever

41 Legowelt – The TEAC Life

40 The Haxan Cloak – The Haxan Cloak

39 James Pants – James Pants

38 Surgeon – Breaking The Frame

37 Balam Acab – WANDER / WONDER

36 Tropic Of Cancer – The End Of All Things

35 Jon Brooks – Music For Thomas Carnacki Vol. 1

34 Kode9 & Spaceape – Black Sun

33 Main Attrakionz – 808s & Dark Grapes II

32 The Horrors – Skying

31 Ricardo Villalobos & Max Loderbauer – Re: ECM

30 Gang Gang Dance – Eye Contact

29 Patten – Glaqujo Xaacsso

28 Andy Stott – Passed Me By

27 Peaking Lights – 936

26 Byetone – Symeta

25 Machinedrum – Room(s)

24 John Maus – We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves

23 Jamie xx & Gil Scott-Heron – We’re New Here

22 Oneohtrix Point Never – Replica

21 Roly Porter – Aftertime

20 Cut Hands – Afro Noise Vol. 1

19 Danny Brown – XXX

18 Patrice & Friends – Cashmere Sheets

17 Motion Sickness Of Time Travel – Seeping Through The Veil Of The Unconscious

16 Kuedo – Severant

15 Zomby – Dedication

14 ASAP Rocky – LIVELOVEA$AP

13 Julia Holter – Tragedy

12 James Blake - James Blake

11 Laurel Halo – Hour Logic

10 Frank Ocean – Nostalgia, Ultra.

09 LV & Josh Idehen – Routes

08 Julianna Barwick – The Magic Place

07 Drake – Take Care

06 James Ferraro – Far Side Virtual

05 Araabmuzik – Electronic Dream

04 Prurient – Bermuda Drain

03 Clams Casino – Instrumentals

02 Rustie – Glass Swords

01 The Weeknd – House Of Balloons

Uncut End Of Year Lists 2011

2011-12-08T22:59:00.005+01:00

1. PJ Harvey – Let England Shake

2. Gillian Welch – The Harrow & The Harvest

3. Metronomy – The English Riviera

4. White Denim – D

5. Josh T Pearson – Last Of The Country Gentlemen

6. The Horrors – Skying

7. Radiohead – The King Of Limbs

8. Wild Beasts – Smother

9. Bon Iver – Bon Iver

10. The War On Drugs – Slave Ambient

11. Laura Marling – A Creature I Don’t Know

12. Fleet Foxes – Helplessness Blues

13. Tom Waits – Bad As Me

14. Kurt Vile – Smoke Ring For A Halo

15. Wilco – The Whole Love

16. Jonathan Wilson – Gentle Spirit

17. Feist – Metals

18. Tinariwen – Tassili

19. Drive-By Truckers – Go-Go Boots

20. Ry Cooder – Pull Up Some Dust And Sit Down

21. James Blake – James Blake

22. Gang Gang Dance – Eye Contact

23. Thurston More – Demolished Thoughts

24. Real Estate – Days

25. Bill Callahan – Apocalypse

26. The Decemberists – The King Is Dead

27. Bjork – Biophilia

28. King Creosote & Jon Hopkins – Diamond Mine

29. Paul Simon – So Beautiful Or So What

30. Tim Hecker – Ravedeath, 1972

31. Destroyer – Kaput

32. Gil Scott Heron & Jamie XX – We’re New Here

33. Low – C’mon

34. Fatoumata Diawara – Fatou

35. My Morning Jacket – Circuital

36. Jonny – Jonny

37. Little Dragon – Ritual Union

38. Hiss Golden Messenger – From Country Hai East Cotton

39. Dawes – Nothing Is Wrong

40. Kate Bush – 50 Words For Snow

41. Raphael Saadiq – Stone Rollin’

42. Jenny Hval – Viscera

43. St Vincent – Strange Mercy

44. Tune-Yards – Whokill

45. Mikal Cronin – Mikal Cronin

46. Iceage – New Bridge

47. The Caretaker – The Empty Bliss Beyond This World

48. Cornershop Featuring Bubbley Kaur – Cornershop And The Double-O Groove

49. Arbouretum – The Gathering

50. Unknown Mortal Orchestra – Unknown Mortal Orchestra

Bubbling Under

• Dave Alven – Eleven Eleven

• Luke Haines – Nine And A Half Psychedelic Meditations….

• Iron And Wine – Kiss Each Other Clean

• Nick Lowe – The Old Magic

• Connan Moccasin – Forever Dolphin Love

• Northsea Radio Orchestra – I A Moon

• Shabazzpalaces – Black Up

• TV On The Radio – Nine Types Of Light

• Thundercat – The Golden Age Of Apocalypse

• Wretch 32 – Black And White

Reissues

1. The Beach Boys – Smile

2. Micky Newbury – An American Trilogy

3. The Smiths – Complete

4. Marvin Gaye – What's Going On

5. The Jesus And Mary Chain – Darklands

6. Disco Inferno – The 5 Ep’s

7. R.E.M. – Life’s Rich Pageant

8. Primal Scream – Screamadelica

9. Can – Tago Mago

10. Jim Ford – Harlan County

11. Roy Harper – Stormcock

12. Michael Chapman – Fully Qualified Survivour

13. Mark McGuire – A Young Persons Guide

14. Kate Bush – The Directors Cut

15. Various – Motown’s Mowest Story 1971-1973

16. Neil Young And The International Harvesters – A Treasure

17. The Kinks – Kontroversy

18. Kate & Anna McGarrigle – Tell My Sister

19. Manic Street Preachers – National Treasures

20. U2 – Achtung Baby

21. The Louvin Brothers – Satan Is Real/Handpicked Songs 1955-1962

22. The Fall – This Nation's Saving Grace

23. Caravan – In The Land Of Grey and Pink

24. Donovan – Sunshine Superman

25. Richard Thompson – Live At The BBC

26. Mercury Rev – Deserter’s Songs

27. Phil Spector – The Philles Album Collection

28. Various – Delta Swamp Rock

29. Nirvana – Nevermind

30. Suede – Suede

The Wire: Rewind 2011 / Archive Releases of the Year.

2011-12-08T12:18:00.003+01:00

1.- John Fahey: Your Past Comes Back To Haunt You: The Fonotone Years 1958-1965.

2.- Albert Ayler: Stockholm, Berlin 1966.

3.- Bill Dixon Orchestra: Intents And Purposes.

4.- Theo Parrish: Ugly Edits.

5.- Annette Peacock: I'm The One.

6.- Disco Inferno: The 5 EPs.

7.- LFO: Frequencies.

8.- Hecker: Sun Pandämonium.

9.- Steve Roden: I Listen To The Wind That Obliterates My Traces: Music In Vernacular Photographs 1880-1955.

10.- Moniek Darge: Sounds Of Sacred Places.

11.- Christian Wolff: Kompositionen 1950-1972.

12.- Can: Tago Mago 40th Anniversary Edition.

13.- Alice Coltrane: Universal Consciousness / Lord Of Lords.

14.- Alvin Curran: Solo Works: The 70s.

15.- Richard Skelton: The Complete Landings.

16.- Julius Hemphill: Dogon AD.

17.- Craig Leon: Nommos.

18.- Various: Opika Pende: Africa At 78rpm.

19.- Various: Invasion Of the Mysteron Killer Sounds In 3D.

20.- Various: FMP: Im Rückblick In Retrospect.

21.- TCM: The Criminal Minds.

22.- Lionel Marchetti: Une Saison.

23.- Dub Taylor: Lumiere.

24.- The Bachs: Out Of the Bachs.

25.- The Fall: This Nation's Saving Grace Omnibus Edition.

26.- Dinosaur L: 24-24 Music.

27.- Silver Bullet: Bring Down The Walls No Limit Squad Returns.

28.- Dicky Landry: Fifteen Saxophones.

29.- Autechre: EPs 1991-2002.

30.- Tav Falco's Panther Burns: Lore And Testament Vol. 1: Behind The Magnolia Curtain / Blow Your Top.

31.- Howard Riley: The Complete Short Stories 1998-2010.

32.- Group Ongaku: Music Of Group Ongaku 1960-1961.

33.- Demdike Stare: Triptych.

34.- Derek Bailey: Concert In Milwaukee.

35.- Roy Harper: Stormcock.

36.- These Trails: These Trails.

37.- Jason Lescallet: This Is What I Do.

38.- The Raincoats: Odyshape.

39.- Various: Those Shocking Shaking Days: Indonesian Hard, Psychedelic, Progressive Rock & Funk 1970-1978.

40.- Lee Konitz: The Complete Remastered Recordings On Black Saint & Soul Note.

41.- Ghédalia Tazartès: Repas Froid.

42.- Chris & Cosey: Songs Of Love And Lust.

43.- Various: Nigeria 70: Sweet Times: Afro-Funk, Highlife & Juju From 1970s Lagos.

44.- Tom Zé: Grande Liquidaçao.

45.- The Jesus And Mary Chain: Psychocandy.

46.- Various: Our Lives Are Shaped By What We Love: Motown's MoWest Story 1971-1973.

47.- Christoph Heemann: Rings Of Saturn.

48.- Mickey Newbury: An American Trilogy.

49.- Various: Delta Swamp Rock: Sounds From The South At The Crossroads Of Rock, Country And Soul.

50.- Throbbing Gristle: 20 Jazz Funk Greats.

The Wire: Rewind 2011 / Releases of the Year.

2011-12-07T13:56:00.005+01:00

1.- James Ferraro: Far Side Virtual.

2.- Rustie: Glass Swords.

3.- Eliane Radigue: Transamorem - Transmortem.

4.- Hype Williams: One Nation.

5.- The Beach Boys: Smile.

6.- Michael Chapman: The Resurrection And Revenge Of The Clayton Peacock.

7.- DJ Rashad: Just A Taste.

8.- Laurel Halo: Hour Logic.

9.- Lou Reed & Metallica: Lulu

10.- John Wall & Alex Rodgers: Work 2006-2011.
11.- Keiji Haino / Jim O'Rourke / Oren Ambarchi: In A Flash Everything Comes Together As One There Is No Need For A Subject.

12.- Sun Araw: Ancient Romans.

13.- Bill Orcutt: How The Thing Sings.

14.- Oneohtrix Point Never: Replica.

15.- Peaking Lights: 936.

16.- Corrupted: Garten Der Unbewusstheit.

17.- Balam Acab: Wander / Wonder.

18.- Ricardo Villalobos & Max Loderbauer: Re:ECM.

19.- Anti G: Presents "Kentje'sz Beatsz".

20.- Thomas Ankersmit & Valerio Tricoli: Forma II

21.- PJ Harvey: Let England Shake.

22.- Cornelius Cardew: The Great Learning.

23.- Thundercat: The Golden Age Of Apocalypse.

24.- Hecker: Speculative Solution.

25.- Andy Stott: We Stay Together.

26.- Various: Rinse 16: Mixed by Ben UFO.

27.- Radiohead: The King Of Limbs.

28.- Margaret Dygas: Margaret Dygas.

29.- Jim O'Rourke: Old News 5.

30.- Various: Bangs And Works Vol 2: The Best Of Chicago Footwork.

31.- Ekoplekz: Intrusive Incidentalz Vol 1.

32.- Tim Hecker: Ravedeath, 1972.

33.- The Advisory Circle: As The Crow Files.

34.- Miles Davis: Live In Europe 1967: The Bootleg Series Vol 1.

35.- Alexander Tucker: Dorwytch.

36.- Helm: Cryptography.

37.- John Chantler: The Luminous Ground.

38.- Ectoplasm Girls: TxN.

39.- Cindytalk: Hold Everything Dear.

40.- Frank Ocean: Nostalgia, Ultra.

41.- Kuedo: Severant.

42.- Structure: Toad Blinker.

43.- The Fall: Ersatz GB.

44.- Leyland Kirby: Intrigue & Stuff Vol 1.

45.- Patrice & Friends: Cashmere Sheets.

46.- Zomby: Dedication.

47.- Various: Music For Merce (1952-2009).

48.- Peter Evans: Ghosts.

49.- Rrose & Bob Ostertag: Motormouth Variations.

50.- Michael Chapman: Trainsongs: Guitar Compositions 1967-2010.

Mojo: 50 Albums Of The Year 2011.

2011-12-07T09:40:00.003+01:00

Mojo: 50 Albums Of The Year 2011.

50 Joe Henry – Revere

49 Frank Ocean – Nostalgia, Ultra

48 Wire – Red Barked Tree

47 Radiohead: The King Of Limbs

46 Noel Gallagher’s High Flying Birds – Noel Gallagher’s High Flying Birds

45 tUnE-yArDs – w h o k i l l

44 Glen Campbell – Ghost On The Canvas

43 Gwilym Simcock – Good Days At Scholss Elmau

42 Booker T. Jones – The Road From Memphis

41 Destroyer – Kaputt

40 Charles Bradley – No Time For Dreaming

39 Arctic Monkeys – Suck It And See

38 The Sand Bag – All Through The Night

37 Duane Eddy – Road Trip

36 Shabazz Palaces – Black Up

35 Tinariwen – Tassili

34 Gillian Welch – The Harrow & The Harvest

33 Glenn Jones – The Wanting

32 Björk – Biophilia

31 Nick Lowe – That Old Magic

30 Girls – Father, Son, Holy Ghost

29 Wilco – The Whole Love

28 Lykke Li – Wounded Rhymes

27 Arbouretum – The Gathering

26 Drive-By Truckers – Go-Go Boots

25 The Stepkids – The Stepkids

24 EMA – Past Life Martyred Saints

23 Bill Callahan – Apocalypse

22 Beirut – The Rip Tide

21 The War On Drugs – Slave Ambient

20 My Morning Jacket – Circuital

19 James Blake – James Blake

18 Thurston Moore – Demolished Thoughts

17 Bill Wells & Aidan Moffat – Everything’s Getting Older

16 Bon Iver – Bon Iver, Bon Iver

15 Paul Simon – So Beautiful Or So What

14 King Creosote & Jon Hopkins – Diamond Mine

13 Cat’s Eyes – Cat’s Eyes

12 Kurt Vile – Smoke Rings For My Halo

11 Laura Marling – A Creature I Don’t Know

10 Wild Beasts – Smother

09 Tom Waits – Bad As Me

08 Anna Calvi – Anna Calvi

07 Josh T Pearson – Last Of The Country Gentlemen

06 White Denim – D

05 Kate Bush – 50 Words For Snow

04 Jonathan Wilson – Gentle Spirit

03 Fleet Foxes – Helplessness Blues

02 The Horrors – Skying

01 PJ Harvey – Let England Shake

Tanned Tin Castelló 2012 (2)

2011-12-05T13:56:00.002+01:00

Promo Acuarela:

Seis nuevas confirmaciones para el Tanned Tin Castelló 2012

El festival Tanned Tin anuncia una serie de nuevas confirmaciones que formarán parte del cartel definitivo de su próxima edición, que se celebra en Castellón los días 2, 3, 4 y 5 de febrero.

A los ya mencionados Dead Western, Patterns, Tim Hecker, The Orchids, Papercuts, Gold Leaves, The Black Swans y Fair Ohs se unen ahora:

THE 99 CALL

KITES

ZUN ZUN EGUI

NAT BALDWIN (Dirty Projectors)

AMOR DE DÍAS

STANDSTILL (“rooom”)

Damien Jurado: nuevo disco y concierto en Campus Rock Cádiz.

2011-11-28T18:00:00.005+01:00

Promo Houston Party:

Damien Jurado, nuevo disco en febrero y gira con banda en marzo 2012

No se puede hablar de los cantautores urbanos fundamentales de los últimos tres lustros y no mencionar a Damien Jurado. Y, aunque no hacía falta que el de Seattle nos subrayara eso, menos aún se puede obviar su enorme talento tras escuchar "Maraqopa", el disco que publicará el 20 de febrero Houston Party/BCore. Nos lo vendrá a presentar en directo durante la segunda quincena de marzo. Se trata de un trabajo de los de puñetazo en la mesa, en el que ha vuelto a tener como productor y mano derecha a Richard Swift, igual que ya ocurrió en su predecesor, "Saint Bartlett" (2010). Con "Manaqopa", la pareja ha vuelto a dibujar un paisaje tan brutal como benevolente, llevando su apuesta conjunta todavía más lejos. Porque Jurado, ha decidido abrir de par en par la puerta de su fúnebre insularidad, sin reservas, y a dejar que a sus diez canciones les dé en la cara el viento que llega del valle y los cañones. Un viento que a veces es ventolera. Generalizando, en "Maraqopa" las vistas tienen millas de profundidad, la acción es muy dinámica y los primeros planos sudan y gruñen. Estamos ante un Jurado que explora, asume riesgos, libera a sus composiciones con inyecciones de psicodelia y nos deja entrar en su hasta no hace mucho aislado universo. El disco será puesto de largo en nuestros escenarios con todas las de la ley, es decir, con una banda completa (su primera gira en ese formato en cuatro años). Sobre las tablas habrá cinco músicos, incluido "el padrino del boom del folk", según la definición de Jurado publicada recientemente en el diario 'The Seattle Ti mes'.

Marzo 2012

Día 16 - San Sebastián - Teatro Victoria Eugenia

Día 17 - Santander - sala pendiente de anunciar

Día 18 - Orense - sala pendiente de anunciar

Día 19 - Madrid - sala pendiente de anunciar

Día 20 - Cádiz - Edificio Constitución 1812 de Cádiz

Día 21 - Granada - Planta Baja

Día 22 - Murcia - Microsonidos

Día 23 - Badalona (Barcelona) - Teatro Zorrilla / Festival Blues i Ritmes

Úrsula: 10 años por amigos (Foehn; 2011)

2011-11-26T15:04:00.004+01:00

Promo Foehn:

Parece que fue ayer mismo, pero han pasado ya diez años desde que David Cordero presentó a Úrsula con “La banda sonora de mi funeral”, primer disco de la banda. Durante esos diez años, David ha ido haciendo crecer a su banda, que poco a poco dejaba de ser un pasatiempo, una excusa para echar un rato con los amigos y echar de paso algún demonio fuera; que poco a poco se comía cada vez más partes de su vida cotidiana. Para bien, porque gracias a eso el suyo es uno de esos raros casos en los que cada disco es mejor que el anterior; uno de esos casos en los que el artista madura con coherencia y ambición, mudando de piel pero sin cambiar el espíritu. Que es la razón por la que es posible trazar una línea continua, que comienza en “La banda sonora de mi funeral”,” (2001) y termina en “Hasta que la soledad nos separe” (2010), y que va cambiando de color y grosor para saltar de un post-rock de tintes dramáticos, cercano al slowcore, para abrazar primero una folktrónica intimista y sentimental (la que daba forma a “Autoayuda emocional“, su entrega de 2005), y después sumergirse en un ambient paisajista, de altísimo contenido emocional.

Por supuesto, en ese viaje han aparecido y desaparecido muchas personas: Úrsula ha sido a veces una banda imposible de meter en una sola furgoneta y otras veces el proyecto unipersonal de David, y en todos los casos las circunstancias han moldeado el sonido de los distintos discos y EPs. Eso, y los consejos y aportaciones de los muchos amigos que David (porque, a pesar de que intente engañarse en “Fuerza mayor”, además de “una guitarra y discos” tiene también un buen puñado de amigos) ha ido cultivando dentro y fuera de los escenarios. Precisamente su último fichaje, el barcelonés bRUNA, es el encargado de abrir “10 años por amigos“, un disco de título evidente en el que dieciséis bandas y artistas amigos soplan, cada uno a su manera, las velas del décimo pastel de cumpleaños de Úrsula. bRUNA lo hace de manera delicada, utilizando “Capítulo siete” como excusa para esculpir una deliciosa miniatura de cuerdas sintetizadas y piano. Un comienzo intimista, tras el que llega la oscura revisión que Blacanova realiza de “Infidelidades múltiples“, una canción que, con su defensa del rencor y el derecho a no olvidar, parecía escrita para ellos. No son los únicos sevillanos, que por esa cercanía que da el juntarse en los bares, y también porque con algunos comparte casa en Foehn, su sello actual, abundan dentro del disco. Y así, Tannhäuser transforma “La minoría silenciosa” en una precisa pieza de relojería post-rock, que va creciendo en intensidad hasta estallar en una masa de ruido, mientras Sundae reviste “Lejos de todo” con ropajes de shoegaze, largos desarrollos climáticos y guitarras que saben a espuma, y un poco más allá The Baltic Sea insufla una fuerte dosis de épica a “Una y no más“, añadiendo un inesperado, interesante acento rockero al vocabulario de Úrsula.

De Madrid viene una de las versiones más ambiciosas del lote: ese tobogán climático, que crece entre tormentas de estática, detalles de indietrónica y folk arrastrado, que El Hijo construye alrededor de “Triste pero cierto“. Y de Castellón la relectura en clave pop de “Recuérdamelo mañana“, que en manos de Aitänna 77 recuerda más bien al pasado, al C86 y a languidez donostiarra. De más al sur, de la provincia de Cádiz, llegan una toma espaciosa y atmosférica, casi cinematográfica, de “El principio de mi posible fin“, a cargo de Lucio & The Music Komite (banda en la que, por cierto, milita alguno de los músicos que formaban parte de Úrsula cuando se grabó la versión original de la canción), y ese intenso ejercicio de apropiacionismo que ejecuta Dani Llamas con un “Nevermind it’s alright” (versión rebautizada de “Igual da igual”), que huele a slowcore fronterizo, y que haría sonreír al mismísimo Alan Sparhawk. Y aún más al sur, en Tenerife, Pumuky aumenta la (ya de por sí elevada) carga de tristeza que contenía “Dejadme sólo” en una versión temblorosa y emocionante.

Y como era de esperar, no todo son guitarras en el disco: ahí están las remezclas de “Insomnio de verano“, que el inefable Dot Tape Dot llena de campanitas, ruidos de insectos y delicadas trazas de gamelan, y de “Fuerza mayor”, que Fibla adorna con un ritmo cinemático y un fondo en continuo crescendo, pleno de emoción. Y ahí están también la deliciosa chifladura, repleta de vocoders y ritmos gruesos, que inventa Emilio José para “E eu con estes pelos“. O esa versión deshuesada de “Puedo y no quiero“, que Bacanal Intruder reduce a su mínima expresión, para luego decorarla con crujidos, retales melódicos y (más) campanitas. Balago, por su parte, aumentan (y ya era difícil) la dosis de emoción en “Después de atardecer“, que en sus sabias manos parece siempre al borde de la explosión climática, y Strand cierra el viaje con una versión fracturada, de curioso sabor hip hop, de “Lo que pienso los domingos“.

Y lo mejor de todo, lo que confirma que Úrsula cumple su primera década de vida con una salud de hierro, es que a pesar del babel de estilos y acentos que habita en su interior, “10 años por amigos” mantiene, como ya decíamos más arriba que sucede en la discografía de la banda, una fuerte cohesión interna: escucharlo de principio a fin supone adentrarse en un universo propio, cada vez más definido, que ni siquiera los disfraces más elaborados consiguen ocultar por completo. Así que sólo queda soplar las velas, disfrutar de estos dieciséis regalos y confiar en que David no tarde demasiado tiempo en volver por aquí con un nuevo disco bajo el brazo.

Vidal Romero

Darius Jones Trio: Big Gurl (Smell My Dream). (Aum Fidelity; 2011)

2011-11-26T14:48:00.004+01:00

Promo Aum Fidelity:

“[Jones] seems to have the ability to take in a fair percentage of jazz history at a hell of a rate and come out with something of his own as a result, and that's an enviable skill. When the passion builds, it does so collectively, the three men musically moving with a staggering unity of purpose."

–Nic Jones, AllAboutJazz.com

“Fulfilling (and exceeding) expectations, Big Gurl (Smell My Dream) is a rightfully compelling follow-up to his stunning debut. With another installment already in the works, Jones has set the stage for a winning series of albums designed to document his rise as one of the most impressive and unique voices of our time.”

–Troy Collins, AllAboutJazz.com

"Big Gurl is a series of stories that burns hot with emotional conviction and technical invention…another superb effort from Jones, who is taking a mix of top-shelf ingredients and making them over in his own language. And it's righteous fun, lest we forget that challenging jazz can hit these buttons, too."

–Jason Bivins, Dusted

"4-Stars. Today, he demonstrates that his musical persona will not be easily pigeonholed."

–Alain Drouot, DownBeat

"Equally earthy and avant-garde .. intellectually stimulating [though] anything but academic .. Jones can keen, weep, caress–and cut, too. The appealing unruliness to his music coexists with authority."

–Carlo Wolff, JazzTimes

"Jones’ second album as a leader brings his sound and approach into sharper focus. It’s not just a cry. It’s his cry."

–Lee Gardner, Baltimore City Paper

"A powerhouse saxophonist with an unusually focused perspective, Darius Jones laces his urgent avant-jazz vision with deep soul and dirty funk."

–Time Out New York

"One of the hottest American saxophone newcomers of recent times with a trio that shares that quality."

–John Fordham, BBC-Jazz on 3

“a postmodern brew which bodes well for the future of jazz."

–Tim Niland, Music and More

"At once eerily familiar and as fresh on the 15th listen as on the first."

–Jeff Stockton, The New York City Jazz Record

Paul Motian (1931 - 2011)

2011-11-25T10:21:00.003+01:00

Necrológica Paul Motian en Rockdelux:

Bastaría su papel como miembro del legendario trío de Bill Evans (1959-1961), junto a Scott LaFaro, para que Paul Motian ganara un hueco en la galería de ilustres baterías de la crónica jazzística: su capacidad para potenciar la interacción del instrumento liberándolo de su papel como acompañante fijó una pauta que el pianista Paul Bley supo sintetizar: “No pienses en si Paul Motian puede seguirte porque, de entrada, no tiene la menor intención de hacerlo”.

Pero el músico de Filadelfia no limitó su trayectoria a ejercer de solvente sideman de Thelonious Monk, Keith Jarrett o Mose Allison, entre muchos otros, sino que, cumplido los 40, decidió impulsar, de la mano del sello ECM, una faceta como líder que ensancharía considerablemente su dimensión.

Desde 1972, Motian profundizó en las claves de la percusión transformando el elegante y sutil toque de sus inicios en un audaz y polirrítmico pulso en continua exploración. Sus registros para Soul Note (destaca “Misterioso” en 1986), JMT o Winter & Winter (“Sound Of Love” de 1997) junto a Joe Lovano, Bill Frisell o Charlie Haden, proyectos como The Electric Bebop Band o el retorno a ECM en 2004 certificaron una influyente idiosincrasia, extendida también al ámbito compositor y que el maestro Motian mantuvo activa hasta el último de sus días, en el Mount Sinai Hospital de Nueva York, el pasado 22 de noviembre.

Hood: Recollected (Domino; 2012)

2011-11-16T20:03:00.002+01:00

Promo Domino:

To celebrate the 10th anniversary of the release of their seminal album ‘Cold House’, Domino is proud to release ‘Recollected’ a 6 CD collection of the finest works of Hood. ‘Recollected’ features their four Domino released studio albums ‘Rustic Houses, Forlorn Valleys’, ‘The Cycle Of Days And Seasons’, ‘Cold House’ and ‘Outside Closer’ plus a compilation of the band’s Domino EPs as well as The Hood Tapes, a 24 song bonus CD of rare, previously unreleased recordings. ‘Recollected’ is available via Dom Mart on Monday the 5th of December 2011, see details HERE, and through other retail outlets on Monday the 20th of February 2012.

Hood formed in Leeds in December 1990 around the nucleus of brothers Richard and Christopher Adams. The band released 9 albums and 17 singles and are now on long term hiatus, whilst band members work on their own musical projects. Across a quartet of albums for Domino the Yorkshire-based experimentalists traced an arc from sprawling post-rock to processed piano pieces to icy electronica referencing the likes of Talk Talk and Disco Inferno along the way, producing some of the most beguiling and special music of the late nineties and early noughties.

The six CDs have been completely remastered from the original sources, and are lovingly packaged in a deluxe rigid board mounted box set, featuring each album in its own spined mini album sleeve, with new, fully comprehensive 32 page sleeve notes. The box set (REWIGCD78X) will retail at approx £50.

Real Estate: Days (Domino; 2011)

2011-11-16T19:58:00.003+01:00

Promo Domino:

On October 17th 2011, New Jersey’s Real Estate will release Days, their second album and first for Domino. A coming of age moment for childhood friends Martin Courtney (Guitar and Vocals), Matt Mondanile (Guitar) and Alex Bleeker (Bass), Days was recorded over the course of five patient months in a remote New Paltz, NY barn-cum-studio with the help of Kevin McMahon (Titus Andronicus, The Walkmen).

A gorgeous suite of guitar-pop songs, Days is a testament to the fact that the sonic formula Real Estate developed and shared with their debut album (Real Estate, Woodsist 2009) heralded the arrival of a new, genuine and enduring group of voices in American independent music. Days sees the band tighten and refine their brand of timeless, melodic and genuine music- consolidating the breezy sketches of their earlier work into considered, graceful pop songs.

The songs are built around deceptively simple, cyclical riffs; caressed and performed with a rhythm and restraint that is atypical for a band Real Estate's age. The instruments swim together, anchored down by Bleeker's firm Lesh-esque bass, ebbing and flowing, occasionally enriched with flourishes of country piano, soft synths and slide guitar. Several songs, like the album's rousing first single "It's Real" were written by Courtney in the way he wrote some of his first songs, laying out their architecture first on a bass rather than a guitar, allowing him to evolve the song's basic melody.

Others, like "Green Aisles" and the Bleeker-fronted "Wonder Years" formed out of extended jams, providing them a fluid structure that only a band of craftsmen could make sound so effortless and guided. Courtney has also matured as a lyricist, adeptly capturing and singing youth's most potent crystalline moments with a surgeon's precision. He wrote most of the songs on Days early in the morning, immediately upon waking up, when the unscripted promise of a new day was still in its purest form. In "Green Aisles" he sings "all those aimless drives through green aisles / our careless lifestyle, it was not so unwise". Such a sentiment is an almost perfect lens through which to view Days, the coming of age album they've made.

Days is greater than the sum of its parts, as defined by its ebullient moments as it is by its moments of restraint. Lyrically and melodically part of what makes Real Estate’s music so vital are the moments where the disarmingly simple is made unexpectedly profound.

Tanned Tin Castelló 2012 (1)

2011-11-16T18:40:00.004+01:00

TANNED TIN CASTELLÓ 2012

2, 3, 4 y 5 de febrero de 2012

Teatre Principal de Castelló

Primeros grupos confirmados: Tim Hecker, The Orchids, Papercuts, Gold Leaves, Dead Western, Patterns, The Black Swans, Fair Ohs...

Abonos a precio de oferta (69,99 euros) a la venta exclusivamente en

http://www.ticketea.com/tannedtin2012

Albert Ayler: Stockholm, Berlin 1966 (HatOLOGY; 2011)

2011-11-14T21:56:00.005+01:00

Promo HatHut:

Albert Ayler's 1966 European tour produced several of the most inspired concerts of his sadly abbreviated career. Of the surviving tapes from that tour, those from the Berlin concert have been the most abused, while those from Stockholm are all but unknown. This is the first release of these performances, in digitally remastered sound, to be approved by and officially and legally licensed from the Ayler Estate and the copyright holders of these tapes. —

John Litweiler

Foto: Larry Fink.

David Brun-Lambert: La vida a muerte de Nina Simone (Global Rhythm; 2011)

2011-11-12T14:15:00.003+01:00

Promo Global Rhythm:

«Moriré a los setenta porque después solo hay dolor» y, en efecto, a esa edad se apagó en el sur de Francia la turbulenta vida de una mujer que conoció la gloria y la humillación, la dicha, la violencia y, desde luego, también el dolor.

Nacida en el Sur norteamericano cuando arreciaba la Gran Depresión, Eunice Waymon fue una niña prodigio que soñaba con ser la primera gran concertista negra de música clásica, pero un exquisito conservatorio neoyorquino le cerró las puertas (tal vez, como ella pensaba, por el color de su piel). Ese rechazo la condujo en 1954 hasta el piano de un garito donde empezó a interpretar lo que su devotísima madre llamaba «música del diablo» y nosotros conocemos como jazz. Para encubrir tan singular pecado adoptó entonces un nuevo nombre que rendía homenaje a su admirada Simone Signoret. Así vino al mundo Nina Simone. Después llegarían los vaivenes entre el cielo y el infierno, los amores ardientes y los maridos abyectos, las sonoras protestas y las rabias calladas, los comportamientos erráticos, los exilios y las reacciones paranoicas? Fue un mito, pero también una bruja africana engañada y rota que nunca agachó la cabeza, ni siquiera cuando el personaje que había construido se desmoronaba poco a poco, combate tras combate. De Carolina del Norte a Nueva York, de Barbados a Liberia, de Ginebra a Ámsterdam, de Aix-en-Provence a Carry-le-Rouet, la existencia de Nina Simone fue una larga búsqueda de la serenidad que nunca le sería otorgada.

Esta obra es un intento de comprender las muchas paradojas de aquella sacerdotisa que, con voz desgarrada, cantaba «please don´t let me be misunderstood». Y lo consigue.

David Brun-Lambert trabajó varios años como periodista para Radio Nova y en la actualidad interviene desde París en diversos programas de la radio suiza. También colabora en varias revistas culturales. Es autor con Laurent Garnier del libro Electroshock.

This Mortal Coil: This Mortal Coil (box; 2011)

2011-11-07T20:12:00.002+01:00

Promo 4AD:

On November 8th (US) / 14th (UK), 4AD will be issuing a boxset of all three This Mortal Coil albums. Each record has been re-mastered from the original analogue studio tapes by John Dent at Loud Mastering, to achieve the best digital sound available today.

Additionally there is a fourth album, Dust & Guitars, that compiles all the singles, including an unreleased one that was to have been part of the Rough Trade Singles Club and features the otherwise unavailable recording of Neil Young's 'We Never Danced'.

Atlas Sound: Parallax (4AD; 2011)

2011-11-07T20:07:00.002+01:00

Promo 4AD:

Atlas Sound, the ever expansive solo project from Bradford Cox of Deerhunter, have announced the release of new album, Parallax, out on 7th/8th (US) November.

Atlas Sound is not a “side-project” but rather a fully fleshed musical landscape chock-full of pop chronicles culled from sci-fi fever dreams and mid century rock. This is perhaps Cox’s best work to date, juxtaposing his modern, sometimes avant, songwriting sensibilities against a backdrop of ambient loneliness and a quiet feeling of desperation.

The artwork and photos come from Mick Rock, the legendary photographer best known for his work with David Bowie.

Joe Henry: Reverie (Anti; 2011)

2011-11-05T13:06:00.004+01:00

Promo Anti:

Revered musician and producer JOE HENRY is set to release a captivating new album entitled Reverie this October 11 via Anti- Records. It stands as a career high point.

HENRYis an acclaimed solo artist with 12 critically heralded albums to his credit including 2009’s masterful Blood From Stars. He is also a multi Grammy winning producer with credits that include Solomon Burke's 2002 album Don't Give Up On Me, which won a Grammy for Best Contemporary Blues Album as well as works by esteemed artists such as Bettye LaVette, Mose Allison, Aimee Mann and Ani DiFranco, and an additional Grammy for Best Traditional Folk Album with the 2010 album by the Carolina Chocolate Drops.

HENRY’s new album Reverie is an all-acoustic production, though also a raw and raucous and messy affair. As HENRY explains, “I knew it should be stripped and lean but not demur, sonically speaking; in black and white, but not without red blood in its veins.”

The record came to fruition when HENRY and his fellow musicians convened in HENRY’s basement studio for three days of exploration. Next the great guitarist Marc Ribot joined with “his particular and wiry racquet” for a few songs. There was some additional lost-world underscoring from singer Jean McClain, and a brief soliloquy given air and a smear of lipstick by Patrick Warren’s pump organ. The final touch occured when the song “Piano Furnace” was sent to Dublin so singer-songwriter Lisa Hannigan, for whom Henry had just produced an album, could illuminate a few words with her indelible spirit.

The result is an album more lifelike –fuming and nervously ticking— than any HENRY has managed. It is also a work that addresses, albeit subtly, some profound themes. “This album speaks about time,” HENRY elaborates, “The great river that reminds us we are buoyant after all, as its moving current lifts us by the chin and just off of the balls of our feet, while we strain to dig our toes into the sandy ground. I am not convinced that any song exists without some knowing nod in its direction. And so with Reverie I am nodding, then –to time, but also to all the love, hope, despair, and revelation that stands naked inside its weather.”

Heirlooms of August: Forever the Moon (Caldo Verde; 2011)

2011-11-04T19:45:00.003+01:00

Promo Caldo Verde Records:

This debut album features 10 songs written by Jerry Vessel, formerly of Red House Painters and recently a touring member of Sun Kil Moon. After residing in San Francisco for a number of years, Vessel returned to California's San Joaquin Valley to find a new home in a familiar place. Inspired by the rural surroundings in which he now lives, Vessel found the time and solitude to reflect and write, the result being Heirlooms of August's Forever the Moon.

The Smiths: Complete (Rhino; 2011)

2011-07-29T11:04:00.004+02:00

Rhino Records UK is proud to present ‘Complete’, eight albums by The Smiths lovingly reworked by Johnny Marr and Rhino UK and packaged together for the first time - the ultimate The Smiths remasters collection.

The collection includes all four of the band's studio albums – ‘The Smiths’ (1984), ‘Meat Is Murder’ (1985), ‘The Queen Is Dead’ (1986), ‘Strangeways, Here We Come’ (1987) and their sole live album ‘Rank’ (1988) as well as firm fan favourite compilations ‘Hatful Of Hollow’ (1984), ‘The World Won’t Listen’ (1987) and ‘Louder Than Bombs’ (1987). Each has been taken back to original tape sources and remastered by Johnny Marr and Frank Arkwright at the world famous Metropolis Studios in London.

DELUXE COLLECTORS BOXSET

**INDIVIDUALLY NUMBERED & STRICTLY LIMITED TO JUST 3000 COPIES WORLDWIDE**

A heavyweight trunk boxset including:

All eight album releases taken back to original tape sources and remastered by Johnny Marr and Frank Arkwright

All eight albums on Mini LP replica style CDs in gatefold card wallets

All eight albums on 12” vinyl LPs (5 singles, 3 doubles)

25x 7" Singles (the entire The Smiths Singles collection) inc. specially reproduced rarities

A 36" x 24" Poster of all album and single cover artwork

‘The Complete Picture’ DVD of the band's music videos

An 8 page 12" booklet feat. expanded liner notes

8x 12" art prints of each album cover artwork

An Exclusive Code to download the whole catalogue as high quality MP3s (320k)

Availability: Estimated shipping date - Mon 03 Oct 2011

...una esperada reedición para comenzar las vacaciones.

The Jayhawks: Mockingbird Time (2011)

2011-07-24T13:30:00.005+02:00

The Jayhawks

Rolling Stone Preview New LP:

The Jayhawks have finally set a release date for Mockingbird Time, the first LP recorded with the classic Gary Louris and Mark Olson-led line-up since 1995's Tomorrow The Green Grass. It hits shelves on September 20th. Check out an exclusive video preview of the LP. "Our goal is to make the best Jayhawks album that's ever been done," Louris told Rolling Stone last November. "Mark and I both feel that there is some business left undone and we got together and wrote some great songs."

The group has been touring with this line-up for the past few years, but they have taken their time with this album. "This is a record for a true Jayhawks fan who loves Tomorrow The Green Grass," said Louris. "It's not a mirror image, but it has a lot of the same elements."

Here is the complete track listing:

1. Hide Your Colors

2. Closer to Your Side

3. Tiny Arrows

4. She Walks in So Many Ways

5. High Water Blues

6. Mockingbird Time

7. Stand out in the Rain

8. Cinnamon Love

9. Guilder Annie

10. Black Eyed Susan

11. Pouring Rain at Dawn

12. Hey Mr. Man
Photo: Steven Cohen

Miles Davis Quintet: Live in Europe 1967: The Bootleg Series Vol. 1 (Columbia; 2011)

2011-07-22T18:33:00.002+02:00

“SECOND GREAT QUINTET” OF MILES, HERBIE HANCOCK, WAYNE SHORTER, RON CARTER & TONY WILLIAMS AT THEIR ABSOLUTE PEAK AFTER THREE YEARS TOGETHER

DELUXE 3-CD + DVD PACKAGE PRESENTS PREVIOUSLY UNRELEASED OR FIRST-EVER AUTHORIZED RELEASE OF LIVE RECORDINGS FROM 1967 “NEWPORT JAZZ FESTIVAL IN EUROPE” CONCERTS

Audio of full-length concert sets in Antwerp, Copenhagen, and Paris

Video of concert sets in Karlsruhe and Stockholm – ONLY known video documentation of “second great Quintet” from 1965 to ’68 period

MILES DAVIS QUINTET – LIVE IN EUROPE 1967: THE BOOTLEG SERIES VOL. 1 launches new Miles Davis Series offering rare and previously unreleased live recordings from around the world

Available everywhere starting September 20, 2011, through Columbia/Legacy

Pure X: Pleasure (Acéphale; 2011)

2011-07-19T22:04:00.004+02:00

Promo Acéphale Records:

Pure X — Pleasure — ACE017

Heavy Air

Dream Over

Twisted Mirror

Easy

Voices

Surface

Stuck Livin

Dry Ice

Pleasure

Half Here

LP & CD

LP First Pressing Limited to 1000 Copies on Heavyweight Vinyl

First 200 on Ultraclear Vinyl With Red Splatter

Heavy Cardstock with Gold Foil Detailed Cover And Matte Finish

Out July 5th in North America, August 8th UK/EU

Changing their name from Pure Ecstasy marks no major stylistic shift for this Austin trio, but the new moniker is more than just drug shorthand. That "X" highlights the Sadean relationship between ugliness and beauty underlying the band's full-length debut. Pleasure's ten tracks of gorgeously distorted, lo-fi pop glides languidly enough for '90s slowcore, but with woozy rhythms, lovelorn lyrics, and reverb-saturated textures that feel timeless. "Ooh, baby, I want every piece of you," singer-guitarist Nate Grace begins. Love hurts.

Marc Hogan - Spin

. Father's Children: Who's Gonna Save The World (Numero Group; 1972-73 / 2011)

2011-07-17T11:51:00.004+02:00

Promo Numero Group:

Hailing from the Adams-Morgan neighborhood, in 1973 Nick Smith, Billy Sumler, and Ted “Skeet” Carpenter created a lost document of gritty soul, concerned with its own time and place, stripped of the L.A. gloss that permeated the group’s own 1979 “debut” for Mercury. Unreleased until now, this true freshman offering is an amalgam of sunny vocal group harmonies, fuzz-guitar solos, shimmering keys, bubbling percussion, spiritual prophecy, and dub experiments. Who’s Gonna Save The World gets the full Numero treatment, with extensive notes and scores of unpublished photos. Deluxe LP edition includes the bonus 45, “Linda Movement” b/w “Intellect” (the latter side not on the the CD).

EDM: Night People (Western Vinyl; 2011)

2011-07-16T13:02:00.005+02:00

Promo Western Vinyl:

Night People is a series of character studies. Alienated and out of fashion, these people stay up all night, stumbling through isolation to explore trauma and ecstasy in search of their own glamour. The boundaries of reality dissolve in their environment, and the light from within transforms street lamps at last call into beacons towards infinity. Guided through fuzz and fog, truths emerge, as the knots binding sensuality and spirit unravel. In a world defined by EDM's music, the Night People's stories are projected, as reality turns into a film. Like the characters in his songs, songwriter and guitarist Daniel Burton has experienced a rebirth and transformation. Night People punctuates his catalog of work under the Early Day Miners moniker. Additionally, this release finds the band coming full circle, transitioning back to the Western Vinyl label, home of Early Day Miners' first record, Placer Found.

Just as the band's name has been abbreviated, their process of recording and producing has been been stripped down for this album. Unlike the meticulous self-production that defined Early Day Miners' albums, their first effort under the EDM moniker finds the band relinquishing engineering duties. Recorded and mixed by engineer Mike Bridavksy at Russian Recording in just five days, the Night People sessions have yielded the most expressive vocal and instrumental performances of Burton's career.

Frédéric Martel: Cultura Mainstream. Cómo nacen los fenómenos de masas (Taurus; 2011)

2011-07-08T17:56:00.002+02:00

Promo Taurus:

¿Por qué triunfan Avatar, Shakira, Spielberg, Mujeres desesperadas, Slumdog Millionaire, Disney, Michael Jackson o MTV? ¿Cómo se fabrican los best sellers, los discos superventas y los grandes éxitos de taquilla? ¿A qué se debe el predominio de la cultura estadounidense y por qué está ausente Europa de esta gigantesca batalla cultural a escala mundial?

Para responder a estas preguntas, el sociólogo y periodista Frédéric Martel ha llevado a cabo una ambiciosa investigación de más de cinco años por treinta países, entrevistando a mil doscientas personas en todas las capitales del entertainment, de Hollywood a Bollywood, de Tokio a Miami, del cuartel general de Al Yazira en Qatar a la sede del gigante Televisa en México. Y su conclusión es inquietante: la nueva guerra mundial por los contenidos ha comenzado.

En el corazón de esta lucha: la cultura mainstream, originalmente diseñada y comercializada por potentes industrias del entretenimiento en Estados Unidos que extienden su influencia hasta el último rincón del planeta gracias a productos cuyas estrategias de creación y difusión resultan fascinantes. A la vez, nuevos países emergen con sus medios de comunicación y sus propias diversiones masivas. Internet multiplica su poder. Todo se acelera. En India, en Brasil o en Arabia Saudí se compite por dominar la web y ganar la batalla de la influencia cultural. Se quiere controlar las palabras, las imágenes y los sueños.

Este libro cuenta esta guerra global de la cultura. Y explica lo que hace falta hacer para gustar a todo el mundo... en todo el mundo.

Caetano Veloso: Zii e Zie MTV Ao Vivo (2011)

2011-07-05T20:20:00.004+02:00

Além dos formatos CD e DVD, o “MTV Ao Vivo – Caetano – Zii e Zie” ainda terá uma edição especial para fãs e colecionadores – um DVD duplo contendo o esperado registro da temporada Obra em Progresso, shows que foram o embrião do projeto Zii e Zie, gravado no Teatro Oi Casa Grande.

No repertório, sucessos e uma seleção musical afetiva de Caetano, como “Desde que o samba é samba”, “Uns”, “Três travestis” e “Você já foi à Bahia?”.

O álbum duplo ainda traz nos Extras o making of do projeto Zii e Zie, com os bastidores do show e a relação do artista com sua equipe.

IV Festival Jazz Cádiz + Master class

2011-07-03T13:28:00.006+02:00

Master Class: Horacio Fumero & Albert Bover.

Fecha: Domingo, 17 de julio de 2011

Hora inicio: 12.00 horas

Hora finalización: 14.00 horas

Lugar: Local de la Asociación Qultura (C/Santa Inés nº6, Bajo)

Precio inscripción: 15 euros/persona

Gillian Welch: The Harrow & The Harvest (Acony Records; 2011)

2011-07-01T17:40:00.004+02:00

Gillian Welch: The Harrow & The Harvest

Reviews

Gillian Welch. Hardly Strictly Bluegrass Festival, Golden Gate Park. Photo by prawnpie

TRIEZ en el Museo Picasso Málaga.

2011-06-17T12:06:00.002+02:00

Viernes, 17 junio 2011

Música en el Picasso

Combo jazz

TriEZ

Auditorio MPM

21.00 h

TRIEZ

TriEZ

(Emarcy - Universal)

JAZZ CONTEMPORÁNEO. “Más que el repertorio es la manera en que tocamos, cómo escuchamos, cómo reaccionamos entre nosotros. Los temas son un poco la excusa para que esto pase”. El pianista Agustí Fernández apela a la añeja máxima jazzística para arrojar luz sobre el funcionamiento de este flamante trío. Un proyecto que congrega a tres nombres obligatorios en el devenir de jazz de nuestro país: el contrabajista Baldo Martínez, el batería y percusionista Ramón López y el propio Fernández.

Alejados de los fútiles resultados de tantos otros supergrupos, TriEZ se establece como una asociación sin líderes cuyo último objetivo es, sin rodeos, la emoción del público. Por encima de técnicas, antes que cualquier concepto. A través del establecimiento de un lenguaje terso y de equilibradas tensiones. Del sólido bagaje de sus componentes se beneficia este álbum fundacional transformado en espacio de confluencia, nutrido tanto del resorte jazzístico contemporáneo como del vasto saco folclórico.

De ahí surgen la total improvisación de “Mbira Of The Spirits” (con Ramón López con el mbira de Zimbabwe), el tributo a la música india a través de su cantante “Bhimsen Joshi”, la presencia cercana con “Anònim” de David Mengual y – no podía faltar – una lírica recreación de “Lonely Woman”, el clásico del genio Ornette Coleman, fijando la enésima cota. El hito congrega a un trío de improvisadores natos cerrando la puerta al lugar común y en su medio natural. Conectados por bastante más lazos que el sufijo de sus respectivos apellidos. SALVADOR CATALÁN.

Publicado en Rockdelux 291 / enero 2011

Uri Caine Trio: Siren (Winter & Winter; 2011)

2011-06-15T18:51:00.004+02:00

Promo Winter & Winter:

Uri Caine [piano]

Ben Perowsky [drums]

John Hébert [bass]

When music fans talk about jazz piano, then they think about the trios of Fats Waller, Wynton Kelly, Bud Powell, Oscar Peterson, Hampton Hawes, Bill Evans, Chick Corea, or Keith Jarrett. The jazz piano trio seems to be the most interesting format for the audience and also for the musicians. This format gives to the pianist best possibilities to interact in an excellent way with the drummer and bassist. The colors of the different instruments can be given complete expression. And this format offers also the best communication to develop sophisticated harmonic, melodic and rhythmic structures. John Hébert on bass and Ben Perowsky at the drums are Uri Caine's trio partners. »Siren« is a very special album because this album is recorded in one recording session live-to-analog-two-track by engineer Ron Saint Germain and producer Stefan Winter. Caine has written for this trio new original compositions and he takes full advantage of swing, interaction, and dynamics.

The album opens with »Tarshish« in a complex rhythm structure with 2/4, 5/8, 2/4, 5/8, 4/4, 5/8, 2/4, 5/8, 2/4, 6/8 and 4/4, and continues in 4/4, 5/4, 4/4, 5/4 and 7/8, and 4/4, 3/4, 4/4, 3/4, 3/8. »Tarshish« grooves! Uri Caine is turning the sophisticated rhythm concept into a thrillling dance. »Interloper« continues in 4/4. This jazz piano trio combines composition, rhythm and grooves with improvisation and plays with a beautiful swing in a natural way. The title track »Siren« has a free rhythm feel. Uri Caine opens the piece with a piano solo introduction, after the first chorus bass and drums join him and the bass plays the theme, the song ends in a dialogue with bass, piano and drums. »Crossbow« is a typical example of Uri Caine's fat swing groove. Memories about Uri Caine's first Gustav Mahler album with the title »Primal Light« come back to life. »Smelly« continues with an extraordinary blues and jazz feeling and leads over to »Succubus«. Ben Perowsky on drums opens this number and John Hébert on bass guarantees verve and depth, after his fascinating bass solo Uri Caine ends the song with a superb piano solo. The seventh song of the album starts with a free intro, turns into swing and Uri Caine introduces one of the most famous jazz standards: »Green Dolphin Street«. Caine plays up-tempo, swings, his »Green Dolphin Street« is a firework which leads into a soulful ending. The perfect bridge to »Foolish Me«, a new composition by Uri Caine which could be inspired by Giuseppe Verdi. Caine has an encyclopaedic knowledge, his compositions are often inspired by the great composers of the past. And every new composition is always a new answer. Wolfgang Rihm – one of the great German contemporary composers says: "Art comes from art. (...) Music arises, as an answer to music. Wagner answers to Bach, Beethoven, Weber. Or: Schoenberg answers to Wagner and Brahms, Boulez answers to Schoenberg and Debussy. From there, where the challenge can be heard, own work is growing — which can turn into a challenge on its part." With a playful lightness Caine presents »Calibrated Thickness« and creates with »Hazy Lazy Crazy« a kind of jazz club atmosphere. »Free Lunch« is an open interplay of forces before Caine devotes himself to his big love of latin rhythms and music with his composition »Manual Defile«.

Uri Caine's album »Siren« is an answer to the great jazz piano trios. Caine is continuing a great tradition and Caine is moving forward with respect to his musical roots.

The Uri Caine Trio »Siren« is released in the representative Winter&Winter Deluxe-Hardcover-CD-Edition. The music is also available as a download and a special release on vinyl will be available end of 2011.

Leroi Jones (Amiri Baraka): Blues People. Música negra en la América blanca (1963 / reed. 2011)

2011-06-14T13:34:00.004+02:00

Promo Editorial Nortesur:

A Blues People, primer estudio sobre el blues y el jazz escrito por un afroamericano, se le reconoce el valioso logro de haber situado las aportaciones de la cultura negra estadounidense en el legado de la música de todos los tiempos. La idea que sustenta este ensayo es que la música puede ser utilizada como indicador para medir la asimilación cultural de generaciones de afroamericanos, ya se trate de esclavos de principios del siglo XVIII, como de ciudadanos actuales. A través del análisis de los diferentes estilos y protagonistas del blues y el jazz –desde el blues primitivo hasta el free jazz; de Bessie Smith a Ornette Coleman–, el autor traza la historia social de la música negra en los Estados Unidos, ofreciéndonos un panorama completo del nacimiento, el desarrollo y la evolución de algunas de las expresiones musicales más apreciadas hoy en día.

Peter Evans Quintet: Ghosts (More Is More; 2011)

2011-06-13T09:25:00.003+02:00

Promo More Is More Records:

"One hour of new compositions featuring Peter Evans (trumpets/compositions), Carlos Homs (piano), Tom Blancarte (bass), Jim Black (drums) and Sam Pluta (live processing)

Commissioned in part by the SWR for the Donaueschinger Musiktage 2010, this music is an insane and mind-bending stew of scrambled bebop, disjointed unison rhythms, 20th century nostalgia and hallucinatory live electronics! The inaugural release on More is More Records!

Available March 2011"

Kiko Amat: Mil violines (y otras crónicas sobre pop y humanos) (Mondadori; 2011)

2011-06-12T13:22:00.003+02:00

MIL VIOLINES, según palabras del propio autor, “es un libro sobre música pop. Sobre cómo entra en nuestras vidas, alterándolas para siempre, a veces dotándolas de un paisaje por donde transcurrir, otras subrayando momentos, reglándonos la promesa de su belleza y emoción, clavando a base de notas aquel instante crucial (o banal) en nuestro subconsciente, desenterrándolo de manera mnemónica con las mismas notas, cada vez que suenan. Haciendo nuestra vida mejor, aunque suene a anuncio de lavavajillas.Este es un libro sobre canciones pop, y sobre los discos que las contienen, y sobre los artistas que las grabaron. Pero este no es un libro musical: no contiene biografías de artistas, la cronología es un desastre, no hay árboles genealógicos de grupos de rock ni se pormenorizan crossovers entre estilos. ¿Por qué? Porque este es un libro sobre música pop y la gente que la escucha. Es un libro sobre cómo el pop influye en la vida de la gente. Es un libro sobre una vida, una educación, basada en la música pop; la mía, la del autor. El escritor como humano enamorado de sus canciones favoritas”.

Y va de esto: Discos, miedo, 1995, Mose Allison, vida-entre-tíos, música-para-tíos, skinheads, Rachmaninov, Kiko Amat, la familia y los amigos de Kiko Amat, Robert Forster, hurra por el blues de todos, 1993, mod revival, The Chords, masculinidad, debilidad, pena, The Dictators, subcultura, Top Secret, Una Gran Noción, Alison Statton, Weekend, Radio 80 Serie Oro, Catalunya Música, 1930’s dance band music, Dennis Potter, De La Soul + Teenage Fanclub, gangsta rap, el cringe, la música triste de Jimmy Webb, el deep soul y la curación por la canción, Bill Withers como modelo a seguir, el Rarities de los Who, la música de mil chaquetas de tweed, Billy Childish, sombreros, defender el atasco y el anacronismo y la tradición y la experiencia, “I don’t like cynicism”, una de las Mejores 20 Fiestas de mi Vida, Kwik Safe, Cricklewood, robar en Virgin Records, David Papiol, britpop, Blur, “Wonderwall”, Mega City Four, Hurrah!, ser fan en contra de Morrissey, la nostalgia que hay que explicar, a la mierda el canon, The Fleshtones y 10 canciones odiosas.

Bon Iver: Bon Iver, Bon Iver (4AD / Jagjaguwar; 2011)

2011-06-10T08:13:00.003+02:00

Promo Jagjaguwar:

First it was For Emma, Forever Ago. The soul in a refraction of icicles. A moment hanging like breath on air. And yet life – even still life – is not still. The story is not a story if it does not unravel. Your eyes you may cast backward, but the heart is locked in the chest and must beat forever forward. Bon Iver, Bon Iver is the frozen beast pressing upward from a loosening earth, one ear cocked to the echo of the ghost choir still singing, the other craving the martial call of drums tumbling, of thrum and wheeze. The desolation smoke has dissipated, cut with strips of brass. Celebration will not be denied, the cabinet cannot contain the rattle, there is meat on the bones.

It's there right away, in the thicker-stringed guitar and military snare of "Perth," and "Minnesota, WI." Anyone who had a single listen to For Emma will peg Justin Vernon's vocals immediately, but there is a sturdiness – an insistence – to Bon Iver, Bon Iver that allows him to escape the cabin in the woods without burning it to the ground. "Holocene" opens with simple finger-picking. The vocal is regret spun hollow and strung on a wire. Then the snare-beat breaks and drives us forward and up and up until we fly silent through the black-star night, our wreckage in view whole atmospheres below. The vocals in "Hinnom, TX" ease to the muffled depths, while the instrumentation remains sparse and cosmic. "Calgary" is a worship song to everything For Emma mourned, and at the point in the final track "Beth/Rest" when Vernon sings, "I ain't livin' in the dark no more" it is clear he isn't dancing in the sunshine, but rather shading toward a new light.

"Bon Iver is often equated with just me," says Vernon, "but you are who surrounds you, and for Bon Iver, Bon Iver I wanted to invite those voices as musical catalysts." Thus on the track "Beth/Rest" and throughout the album, we hear the pedal steel of Greg Leisz (Lucinda Williams, Bill Frisell), the uniquely layered low end of Colin Stetson's (Tom Waits, Arcade Fire) saxophones, the riffing of Mike Lewis' (Happy Apple, Andrew Bird) altos and tenors, and the lush horns of C.J. Camerieri (Rufus Wainwright, Sufjan Stevens). Bon Iver regulars Sean Carey, Mike Noyce and Matt McCaughan contributed vocals, drums and production, Rob Moose (Antony and the Johnsons, The National) helped with arranging and added strings, and fellow members of Volcano Choir, Jim Schoenecker and Tom Wincek provided processing.

Bon Iver, Bon Iver was recorded and mixed at April Base Studios, a remodeled veterinarian's clinic located in rural Fall Creek, Wisconsin. The main recording space is constructed over a defunct indoor pool attached to the clinic. "It's an unique space and destination; it's our home out here," says Vernon, who purchased the structure with his brother in late 2008 with the sole intention of converting it into his ideal recording studio. "It's been a wonderful freedom, working in a place we built. It's also only three miles from the house I grew up in, and just ten minutes from the bar where my parents met." The creation of Bon Iver, Bon Iver was a three-year process, and Vernon says the completion of the studio paralleled the completion of the album. "I was writing and recording in the windows of time snatched between tours in support of For Emma," he says. "When I finally came home to hunker down for a solid stretch there was a feeling of solid ground and an opportunity for liberation waiting in the space for me."

In the absence of solid ground, the whirlwind becomes a whirlpool, and Bon Iver, Bon Iver is Justin Vernon returning to former haunts with a new spirit. The reprises are there – solitude, quietude, hope and desperation compressed – but always a rhythm arises, a pulse vivified by gratitude and grace notes, some as bright as a bicycle bell. The winter, the legend, has faded to just that, and this is the new momentary present. The icicles have dropped, rising up again as grass.

- Michael Perry

Jota (Los Planetas) en los Cursos de Verano de Cádiz.

2011-06-09T13:23:00.003+02:00

Promo Universidad de Cádiz:

A modo de novedad en el marco de la 62 edición de los Cursos de Verano de Cádiz, Sesión de Autor ofrece un espacio de comunicación y encuentro entre creadores y públicos. Desde su elástica estructura interna, el formato presenta un dinámico escenario de exposición y discusión sobre la obra y el trabajo de diferentes artistas conectados con ámbitos como el cómic, la pintura o la música pop. Una sesión en la que, más allá de un guión previo o una estructura académica, los artistas invitados contarán sus experiencias personales y creativas además de responder a las cuestiones planteadas por los asistentes quienes también podrán presentar a los demás su trabajo y perspectiva.

JOTA es una de las figuras esenciales del pop español de las dos últimas décadas.

Su trayectoria como compositor, cantante y guitarrista de Los Planetas se ha concretado en una modélica discografía donde el grupo granadino ha plasmado con éxito su marca de identidad, sin rehuir un gesto evolutivo que ha encontrado aliados en otros géneros como el flamenco.

El papel de Jota en esta expansión ha sido y sigue siendo fundamental, tanto desde el punto de vista de intérprete y compositor como desde el prisma de activista ideológico y discos como Una semana en el motor de un autobús (RCA-BMG, 1998), Unidad de desplazamiento (RCA-BMG, 2000), La leyenda del espacio (RCA-BMG, 2007) o Una ópera egipcia (Sony, 2010) contienen sobradas evidencias de ello.

Su ambición musical no se detiene en Los Planetas sino que regularmente ha buscado líneas de fuga en otros proyectos tanto propios como compartidos, entre los que destaca Grupo de Expertos Solynieve.

Matriculación en Celama

Fecha de celebración: 11 de Julio de 2011.

Horario: 10.00h a 13.30h

Lugar de celebración: Sala Tomasa Palafox. Edificio Constitución 1812 de Cádiz. (Antiguo Cuartel de la Bomba).

EDAD MÍNIMA DE MATRICULACIÓN: 16 AÑOS

Más información en: Vicerrectorado de Extensión Universitaria. Edificio Constitución 1812 (Antiguo Cuartel de La Bomba). Paseo Carlos III nº 3, 1ª planta. 11003-Cádiz. Teléfono 956015800, correo electrónico: extension@uca.es

+ SESIÓN DE AUTOR:

Cómic: RICARDO OLIVERA "FRITZ".

Pintura: BULY.

Uri Caine Trio en el Museo Picasso Málaga

2011-06-08T21:58:00.003+02:00

URI CAINE TRIO

URI CAINE, piano. MARK HELIAS, contrabajo. BEN PEROWSKY, batería.

Viernes, 10 de junio de 2011

Ciclo Combo Jazz

Museo Picasso de Málaga. 21.00h

Palacio de Buenavista, Málaga

Proyecto Long Play

2011-06-08T08:09:00.002+02:00

REVISTA DISCÓBOLO presenta:

PROYECTO LONG PLAY

Inauguración: viernes 10 de junio, 20:30 horas.

Lugar: Sede del CICUS, c/ Madre de Dios, 1. Sevilla.

Es una producción de Ediciones La Piedra Lunar, Revista Discóbolo y el CICUS.

PROYECTO LONG PLAY es una exposición que viaja a 331/3 revoluciones por minuto: la velocidad a la que gira un disco de vinilo de 12 pulgadas sobre el tocadiscos. ¿Qué tendrán esos viejos elepés en los escaparates para llamar por igual la atención de adolescentes y ancianos, nostálgicos y nuevos melómanos, recalcitrantes defensores de lo analógico y víctimas del esnobismo o la curiosidad? ¿Qué, para imponerse últimamente a sus hermanos pequeños –si no primos lejanos–, los consabidos cedés, más recientes pero no necesariamente más modernos? ¿Por qué todos lo señalan con el dedo en las tiendas de discos –«mira, un vinilo»–, como quien descubre y pone nombre a una cosa nueva o, mejor dicho, reencuentra a un familiar largo tiempo ausente y añorado? Los discos de vinilo resultan pintorescos, remontan a un pasado musical de resonancias míticas y son, qué duda cabe, un nuevo filón a explotar por la industria discográfica.

La nostalgia es un argumento más para la venta, y bien eficaz, en estos tiempos de hiperconsumo. Más allá de los propósitos más o menos inconfesables de la industria, pero sin olvidar que la obra que desde la portada encubre o prologa visualmente el contenido sonoro es ante todo reclamo publicitario, el objeto destaca en los estantes y nos atrae aún –o de nuevo– por más que estemos habituados a él. Y más hoy, que los discos han dejado de dar vueltas, de ser redondos, para fundirse en un magma indistinto e intangible. En la cima de la sociedad digital, miramos con nostalgia –parece mentira– aquellos tiempos, no tan remotos, en que la música se hizo metal, cera, piedra, papel y, por último, plástico. Los tiempos modernos, como los vemos ahora, no se parecen a aquellas pesadillas que esbozaran, cada cual a su modo, Chaplin, Chesterton o Devo, sino que se presentan más bien como el último asidero a la realidad, por más que sea mecanizada, antes del salto al vacío de la posmodernidad. Y nos agarramos ingenuamente al vinilo como si fuera el formato postrero que precede al fin… Pero ¿estamos realmente al cabo de una era y una serie de formatos que la distinguen? ¿Es el ebook tan distinto de las tabellae ceratae, o el blog que se despliega en la pantalla algo diferente de los antiguos volumina, los rollos de papiro? ¿Han dejado de dar vueltas y describir círculos quienes bailan, aunque lo hagan al son de sus cuadriculados iPods y todo descanse en la invisible sucesión de ceros y unos?

Sean cuales fueren las razones –musicales o no– del regreso del vinilo, y en particular del long play, éste se reedita ahora, más de veinte años después de que fuera desplazado en el mercado por el compact disc, y en su recobrado impulso hace vistosas de nuevo y devuelve su acostumbrada trascendencia a las portadas de discos, reducidas en el cedé a un tamaño insignificante más de cuatro veces menor que en el glorioso elepé. Y es precisamente eso, la renovada vigencia de sus portadas, lo que pretende celebrar la exposición PROYECTO LONG PLAY.

Festival Mirador Pop 2011

2011-06-02T19:24:00.002+02:00

Nat Baldwin: People Changes (Western Vinyl; 2011)

2011-06-01T19:30:00.003+02:00

Promo Western Vinyl:

Nat Baldwin’s forthcoming album People Changes is much like the stark Maine setting in which it was created. The album shows welcome markings of his experimental bent from years as the Dirty Projectors bassist and a former disciple of free jazz legend Anthony Braxton, but the serene isolation of 17 million acres of New England forestland make this cabin-born set intimate and sincere.

A lean ensemble of talented, time-proven friends was enlisted for the studio--some dating back to his New Hampshire childhood--chosen specifically to create the album’s earnest live sound. Their apt decision to record voice and bass live on most tracks is quickly felt on opener “A Little Lost,” letting Baldwin’s softly warbled falsetto hug a heartfelt cover of Arthur Russell’s sacred love song. Woodwinds flit and pull against contrabass pulses on “Weights,” then recede to let Baldwin’s bare performance stir on “Real Fakes.” The full cast of Nat’s touring ensemble handsomely match the bold arrangements of “Lifted,” followed by jagged improvisation on “What Is There” and a tender rendition of Kurt Weisman’s “Let My Spirit Rise” to finish. Ultimately, People Changes is a slice through the void of late nights spent among tall pines.

Art & Laurie Pepper: Una vida ejemplar. Memorias de Art Pepper.

2011-05-30T21:10:00.002+02:00

Art Pepper (1925 - 1982)

Prólogo de Gary Giddins

Global Rhythm; 2011.

The Complete Remastered Recordings on Black Saint & Soul Note: Anthony Braxton, Steve Lacy, David Murray & Lee Konitz.

2011-05-29T18:31:00.005+02:00

Chad VanGaalen: Diaper Island (Sub Pop; 2011)

2011-05-24T17:23:00.004+02:00

Promo Sub Pop:

Every so often, Chad VanGaalen emerges from his bunker in Calgary with a batch of songs, giving us a window into the private world of this reclusive and enigmatic songwriter. With Diaper Island, VanGaalen distills his approach, producing his most sonically cohesive album to date, and the closest thing he has done to a rock album.

While VanGaalen’s three previous records were made in a cramped basement studio, a move to a larger recording room offered space to develop and refine his sound. Fresh from producing the critically-lauded Public Strain album by Women, VanGaalen decided to avoid the comfort of working on previous ground, and apply some of the recording techniques and sonic ideas that emerged from those sessions. For the first time, multi-tracked and often overdriven guitar is the instrument at the center of the songs, which are often Spartan and free of the melodic details that embellished previous albums. With this focus on guitar, combined with a beloved vintage tape machine determining the sound, VanGaalen moved towards a leaner, no-frills approach—one that more closely resembles the music that influenced him as a teenager, while continuing the arc laid out in his previous work.

The paradox of trying to assert control in a climate of helplessness winds through the album, whether in the existential pondering on life and death that often pervades VanGaalen’s songs (“Do Not Fear,” “Replace Me”), or in the conflict between control and creativity (“Freedom for a Policeman,” “No Panic, No Heat”). At the album’s heart is “Sara,” a simple and celebratory paean that gorgeously praises the ability of VanGaalen’s partner and muse to nurture his creativity in the face of this uncertainty, and captures the songwriter at his most sincere and powerful.

At this point Chad VanGaalen may perhaps be better known for his illustrative rather than his musical output. As was the case with all of his previous albums, VanGaalen has illustrated all of the art for Diaper Island himself. He’s also in the midst of animating a music video as well. His past videos have been collectively viewed well over a million times on Youtube. He’s also animated music videos for folks like J Mascis, Guster and Holy Fuck.

VanGaalen has been quietly building a catalog of songs, illustrations, and animations that invite listeners to gently explore his distinctive creativity. Diaper Island extends the adventure into deeper territory, tapping into VanGaalen’s lifeblood and mining the richness of his mind with sharper tools.

Discography
2004 Infiniheart
2006 Skelliconnection
2008 Soft Airplane
2011 Diaper Island

Cuong Vu 4-tet: Leaps of Faith (2011)

2011-05-21T07:39:00.003+02:00

Promo Origin Records:

“ ...the point of Mr. Vu’s music, at its best, is just that: to make you feel lost in it.”

– Ben Ratliff, NY Times

"That the band is able to make so many disparate elements intersect at all, let alone with cohesion and vitality, speaks to Vu and the Band’s marvelous imagination." – JazzTimes. After a decade of recordings featuring only his original compositions, the master trumpeter and his band now turn their attention to the standard jazz repertoire, presenting decidedly unique interpretations of classics such as Body & Soul and My Funny Valentine, along with songs by George Harrison and Jackson Browne. As the band pays tribute to John Coltrane's "Giant Steps," they put a spotlight on Vu's efforts with the album’s title track, "Leaps of Faith." Though only two electric basses, drums and trumpet, the group displays a staggering wealth of textural variety to complement their visionary improvisational explorations.

Jazz en el Museo Picasso Málaga: Enrico Pieranunzi Trío.

2011-05-20T11:45:00.003+02:00

Viernes, 20 de mayo 2011

21.00 horas

Museo Picasso Málaga

Enrico Pieranunzi Trío

Enrico Pieranunzi (piano)

Luca Bulgarelli (contrabajo)

Mauro Beggio (bateria)

Ebo Taylor: Life Stories (Strut; 2011)

2011-05-15T12:08:00.002+02:00

Promo Strut:

Following his recent studio album with Afrobeat Academy, ’Love And Death’, his first international release, Ghanaian highlife guitar legend Ebo Taylor teams up again with Strut for a long overdue definitive compilation of his seminal 1970s recordings, ‘Life Stories’.

During Ghana’s highlife explosion during the 1950s and ‘60s following wartime highlife pioneers like E.T. Mensah, Ebo Taylor made his name as a prolific composer, arranger and frontman leading two of Ghana’s greatest big bands - Stargazers and Broadway Dance Band. Moving to London to study music in 1962 alongside West African luminaries like Fela Kuti and Peter King, Taylor formed the Black Star Highlife Band and began incorporating jazz elements into traditional highlife forms.

Returning to Ghana, Taylor became an in-house arranger and producer for Dick Essilfie-Bondzie’s Essiebons label, working with other major Ghanaian stars like C.K. Mann and Pat Thomas. Through the ’70s, he then recorded a number of solo projects, exploring unique fusions and borrowing elements from regional Ghanaian folk music, Afrobeat, jazz, soul and funk.

This compilation revisits this heyday of Taylor’s work, focusing on his solo albums and some of his lesser known side projects including the dynamite Apagya Show Band and short-lived Taylor-led combos Assase Ase, Super Sounds Namba and The Pelikans. The selection also touches on his writing and production work for C.K. Mann and a collaboration recording with fellow member of early ‘70s nightclub band Blue Monks, Pat Thomas.

Tracks include the anthemic ’Heaven’, sampled by Usher on his hit with Ludacris, ’She Don’t Know’, the original version of the poignant ’Love And Death’ and the rare 15-minute nugget, ’Aba Yaa’. The package features rare photos, original album artwork and sleeve notes by Soundway Records’ Miles Cleret.

Gang Gang Dance: Eye Contact (4AD / 2011)

2011-05-08T12:12:00.004+02:00

BBC Review

Scientific sorts estimate that the average human uses only 90% of their brain’s potential. Gang Gang Dance, across their previous albums, have routinely explored the mysterious missing 10%, resulting in uniqueness that’s failed to fully propel the New Yorkers up from the underground. Eye Contact, album five and their first for 4AD, is unlikely to change that – there’s nothing that might be considered a crossover single. But take the safety catches off, sling the stabilisers aside, and dive into their magnificent depths and you might find a record to fall in love with several times over.

If anything, GGD’s last LP, the Warp-released (in the UK) Saint Dymphna, was their push towards commercial recognition. It featured a collaboration with Tinchy Stryder, preceding the pint-sized Brit-rapper’s current chart dominance; and Hot Chip weighed in with a remix that could have opened a few more doors for the outfit on this side of the Atlantic. But despite great reviews, the album and its makers seem destined to sit in the shadow of the breakthrough likes of similarly singular oddballs like Animal Collective. Eye Contact could therefore be heard as something of a retreat from the coalface of commercial sensibility, opening as it does with a 12-minute track sure to miss out on notable radio coverage due to its length. A shame: Glass Jar is magnificent, a spiralling, sprawling masterpiece of mischievous melodies that worm their way in deep, built from glistening foundations and climaxing, amazingly, too early. It could last an hour and still be as special.

The vocals of Liz Bougatsos won’t click with everyone – like The Knife’s Karin Dreijer Andersson, aka Fever Ray, she manages to sound like the woman who fell to Earth, utterly alien but wholly beguiling as she squeezes syllables into the limited spaces left by her bandmates. Together they weave a soundtrack to future parties, held on space stations spinning around the outer rings of Saturn. Little here seems to be connected with terrestrial movements; and when there is a flash of something comfortably graspable, like the oriental clinks of Adult Goth and the fairground pulsations of MindKilla, they’re surrounded by the otherworldly presence of Bougatsos. Only Romance Layers really seems born of this world, its neo-soul-goes-sci-fi strut a distant, deformed cousin of D’Angelo’s seductive tones; or Grace Jones, the Star Trek years.

Three incidental numbers flesh out what might otherwise seem to skimp on content, on paper: but even reduced to its seven songs ‘proper’, this is one of the most captivating, exciting, original albums of the year. GGD have delved into what, to almost any other artist, is the complete unknown to produce another set offering rich rewards to those who let it work its magic without reaching for the skip or shuffle button. Their relationship with corners of the cranium that we don’t regularly reach continues to produce remarkable results. Beam it into the stars and watch the replies flood in.

--Mike Diver

With Eye Contact, GGD have reached the point where they are able to absorb and process their manifold inputs efficiently, keeping waste to a minimum. It's a concise, tidy album, with little of the noise leakage of old. Their messier incarnation will be missed by some, but for the rest of us it is gratifying to witness a group shucking off their cocoon and blossoming into a thoroughly modern polymorphous pop group, emerging from the shadows to embrace a bright and endless summer of sound.

Joseph Stannard / The Wire 327 / May 2011

Kate & Anna McGarrigle : Tell My Sister (Nonesuch; 2011)

2011-05-06T13:16:00.003+02:00

Promo Nonesuch:

Today marks the Nonesuch release of Tell My Sister, a special three-disc set comprising remastered versions of Kate and Anna McGarrigle's beloved 1976 self-titled debut; its equally praised 1977 follow-up, Dancer with Bruised Knees; and a collection of previously unreleased songs, including solo and duo demos. Joe Boyd, who produced the McGarrigles’ first two albums, assembled the material for the third disc in addition to serving as producer for the whole set. To pick up a copy of Tell My Sister, head to the Nonesuch Store, where orders include high-quality, 320 kbps of the complete album at checkout.

The release coincides with a two-night tribute to Kate McGarrigle—who died of sarcoma last year—next week, May 12 and 13, at New York City’s Town Hall. Curated by Joe Boyd, the concerts will feature performances by Kate’s children, Martha and Rufus Wainwright, and her sister Anna, as well as Emmylou Harris, Antony Hegarty, Norah Jones, and Teddy Thompson, among others. Profits from the concerts will go toward creating the Kate McGarrigle Sarcoma Research Fund.

Colección CARA B de Lengua de Trapo.

2011-05-05T13:43:00.002+02:00

Primeros títulos de la colección CARA B (Lengua de Trapo), dirigida por Víctor Lenore:

"Omega, de Enrique Morente y Lagartija Nick", de Bruno Galindo.

Prólogo de Santiago Auserón.

"Una semana en el motor de un autobús, de Los Planetas", de Nando Cruz.

Prólogo de Julieta Venegas y epílogo de Julián Rodríguez.

En preparación:

"Lujo Ibérico", de La Mala Rodríguez;

"Honestidad Brutal", de Andrés Calamaro

"El estado de las cosas", de Kortatu.

The Complete Atlantic Studio Recordings of The Modern Jazz Quartet 1956-64 (Mosaic Records; 2011)

2011-05-04T16:49:00.002+02:00

Promo Mosaic Records:

"The new drummer (Connie Kay) was relatively unknown and his predecessor was one of the most influential of modern drummers. Delightful as the group had sounded before, it sounded even better now because at last it had achieved that unity of feeling and purpose which Lewis had spoke of and which breathes the life blood of true art into the performance, making it a living thing existing on its own, over and above the individual parts." - Ralph Gleason, San Francisco Chronicle

That SOUND. One group conceived it. Defined it. Perfected it. The Modern Jazz Quartet was certainly one of the most distinctive voices in the history of jazz, thanks to the unique qualities of personal expression and collective vision of its members Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath and Connie Kay.

They were also exceptionally prolific during their tenure at Atlantic Records, producing 14 albums in eight years. And now, that MJQ sound gets the complete respect it deserves, thanks to our new box, The Complete 1956-1964 Modern Jazz Quartet Atlantic Studio Recordings.

The band?s style originated when Milt Jackson, John Lewis, bass player Ray Brown and drummer Kenny Clarke comprised the rhythm section for Dizzy Gillespie´s 1946 big band. They would remain on stage during set breaks designed to give the horn players? lips a rest, and even recorded as The Milt Jackson Quartet. With personnel shifts, they evolved into an organization as comfortable with the influences of European chamber music as they were with jams in dusky after-hours clubs.

For each of the 14 albums included on this set, our audio expert Ron McMaster worked from original tapes in order to draw out the best sonic properties possible, and achieved his goal of revealing subtle nuances that matched MJQ's own attention to detail. Finally, recorded sound worthy of the music it´s reproducing.

Limited Edition: 5,000 (7 CDs - $119)

Sam Amidon en Escena Rock (El Puerto de Santa María).

2011-05-02T19:04:00.003+02:00

Promo Escena Rock:

En pocos años, Sam Amidon ya se ha consolidado como relevo de los Will Oldhams, Bill Callahans, Sufjan Stevens, Iron And Wines... A ese nivel, caminando por la senda que le conecta directamente con el ADN de los grandes del folk. Amidon tiene un pie en el folk de los años 20 y el otro en el último dígito que acaba de marcar el reloj que lleva en la muñeca. Por eso suena tan a 2010. Su nuevo álbum, el que nos vendrá a presentar, “I See The Sign” (2010), lo produce Valgeir Sigurdsson (Björk, Willd Oldham, Ben Frost), corroborando la patina contemporánea de su obra.

Teatro Municipal Pedro Muñoz Seca (El Puerto de Santa María).
Miércoles, 4 de mayo de 2011 21.00 horas
Entrada: 6 euros / 4 euros.

Hauschka: Salon Des Amateurs (2011)

2011-05-01T12:31:00.002+02:00

Promo FatCat Records:

Hot on the heels of October 2010's ‘Foreign Landscapes’ album, Hauschka returns with a brilliant new full-length, which once again sees the adventurous pianist/composer pushing into fresh territory and expanding his oeuvre. Where 'Foreign Landscapes' saw Hauschka shifting from his acclaimed solo 'prepared' piano into full-scale orchestral compositions, ‘Salon des Amateurs’ sees the artist utilising the percussive qualities of the treated piano for a unique take on techno and house music. Expanded to include drum kit and orchestral instrumentation, the album is a rousing set of dance tracks. Named after the club/bar in his native Düsseldorf, where Hauschka (aka Volker Bertelmann) presents an annual piano festival – follows a night out around the Salon, itself a “stand for unselfish programming and creating a space for development and possibilities that are normally not created”, to borrow Hauschka’s description.

‘Salon des Amateurs’ is simultaneously a bold departure and a logical step forward for Hauschka. A unique project that sounds simultaneously organic and mechanised, it is full of carefully-picked references to two opposing genres – modern classical and heady dance music. Featuring múm drummer Samuli Kosminen and Calexico’s John Convertino and Joe Burns, there is a driving propulsion to the record, firmly aimed to resonate through dance floors, while Grammy award-winning violinist Hilary Hahn ensures her guest spot will not go unnoticed by a classically-aligned audience. Far from being a musical curio or a covers album, this record is entirely comprised of original pieces, each imbued with a palpable sense of fun (as is often the case in Hauschka’s music) and a huge sonic depth, yet its instrumentation upholds an astute, sharp elegance. Subtle electronic touches swarm around ‘Cube’ with the same grace and nuance as the syncopated brass stabs of ‘Radar’, while the grimey-synth mimicking low-end piano of ‘Two AM’ and ‘Tanzbein’ references the layers of repetition that characterise the golden age of house and techno.

The album was largely recorded by Bertelmann at his Studio Zwei space in Düsseldorf. Beginning as a series of piano solos, these were gradually expanded and ultimately accorded the essential dance touch – a solid, thumping low end. Kosminen and the Calexico members recorded their own work remotely following directive notes from Bertelmann. A final collaborator – ‘Dancer in the Dark’ author Sjón Sigurdsson – contributes a surreal short story to the liner notes, in keeping with a theme present in each of Hauschka’s FatCat releases.

Hauschka is perhaps predominantly known for his work with the prepared piano, with Bertelmann working from a start-point of creative modification: gaffa tape, aluminium foil, bottle tops, ping-pong balls, even vibrators placed across the piano's internal strings and hammers to produce a beautiful, bizarre spectrum of timbres that belies the traditionalist expectations of the instrument. Immediately lauded for his playful approach to the post-classical field, Bertelmann’s profile as an artist has steadily risen since the release of his FatCat debut ‘Room to Expand’ (2007). Following a series of engaging live shows (the point at which so many people 'get' what he's doing), his follow-up, ‘Ferndorf’ (2008), drew an even wider audience, and ‘Foreign Landscapes’ (2010) marked the next leap forward, bringing in a large-scale ensemble for the record itself and a great critical response.

To celebrate the release of Hauschka's fantastic new 'Salon Des Amateurs' album, we've produced a limited edition of 100 hand-numbered lithograph prints, a number of which we have obtained to sell through our store. The posters are A3-sized with a four colour print, and feature the stunning cover artwork of the album, which is a detail from the painting 'Trains and Boats an Planes' by the artist, Stefan Kürten.

John Sinclair: Sun Ra. Entrevistas y ensayos. (2011)

2011-04-30T11:17:00.003+02:00

Promo Libertos Editorial:

Compositor, líder de banda, pianista, poeta y filosofo, SUN RA es uno de los legados musicales más llamativos y duraderos, trascendiendo tiempo, lugar y géneros culturales.

Desde mediados de los años 50 hasta su muerte en 1993, SUN RA lideró ‘The Arkestra’, un conjunto con una formación en constante cambio. Su música tocó toda la historia del jazz, del ragtime al swing, del bebop al free jazz, mientras que a la vez fue pionero en el uso de nuevas formas, incluyendo música electrónica, música espacial e improvisación libre.

Pero el legendario estatus de SUN RA fue ganado tanto por sus excentricidades como por su singular visión artística. Afirmando ser de Saturno, el propagó una desconcertante mitología de ciencia ficción que mostraba en su música y también en las actuaciones dadaístas de The Arkestra (actuaciones que inspiraron artistas tan diversos como George Clinton y MC5)

SUN RA ENTREVISTAS Y ENSAYOS reúne entrevistas con SUN RA, sus amigos, asociados y contemporáneos. El libro incluye ensayos y conversaciones concernientes con su prolífica obra musical, aura, filosofía y más.

Gira de Marc Ribot Ceramic Dog / mayo 2011.

2011-04-29T07:56:00.002+02:00

Promo Arco y Flecha:

MARC RIBOT, guitarra, voz
SHAHZAD ISMAILY, bajo, electrónica
CHES SMITH, batería, electrónica

Jueves, 12 de mayo de 2011

Sala Tropicana Club. 21.00h

C/ Sor María del Carmen

Santoña, Cantabria

Viernes, 13 de mayo de 2011

Ciclo "Combo jazz"

Museo Picasso de Málaga. 21.00h

Palacio de Buenavista, Málaga

Sábado, 14 de mayo de 2011

13è Voll-Damm Festival Jazz Vic

L'Atlàntida. 20.30h. Vic

www.jazzcava.com/festival/557-2/

concierto en el Bimhuis/Amsterdam/2008

Ceramic Dog es un colectivo –tal y como lo definen sus componentes – de free, punk, funk, música experimental, psicodelia y post electrónica. En éste, su proyecto más reciente, Marc Ribot vuelve a dirigir uno de sus característicos collages sonoros en los que la improvisación colectiva, el espíritu rock underground y la experimentación electrónica se dan la mano. Lo acompañan Shahzad Ismaily (Two Foot Yard, Secret Chiefs 3) al bajo y efectos y Ches Smith (Good for Cows, Convulsant, Ben Goldberg) a la batería y efectos, dos jóvenes músicos en los que ha encontrado la complicidad y la energía para volver a salir de gira y tragar kilómetros en la carretera como una (auténtica) banda de rock que pretende ir siempre más allá. De la actuación en el club Tonic de Nueva York en marzo del 2007 salió el material en vivo que da forma al primer disco de Ceramic Dog, editado en el 2008. Desde entonces no han grabado otro álbum pero sí han desarrollado mucho material nuevo que será el que tocarán en esta gira, en palabras de Ribot, más orientado al groove que "out".

Critica en Tomajazz del concierto de Ceramic Dog en el Festival de jazz de San Sebastián/2008

"Este año hemos podido disfrutar de algunos conciertos notables en los espacios gratuitos del Jazzaldia, algunos muy superiores a los programados en los auditorios. El mismo día que empezaba el festival, Marc Ribot ofreció una actuación memorable que nos dejó boquiabiertos, batiendo por goleada el concierto ofrecido poco antes por Keith Jarrett, Gary Peacock y Jack DeJohnette en el Kursaal. En la pequeña "Carpa Heineken", Ribot y su nuevo trío, Ceramic Dog, presentaron el disco Party Intelectuals tocando a un nivel estratosférico, con una intensidad asombrosa desde el primer minuto hasta el último. El trío estaba perfectamente compenetrado, adaptando sus diferentes estilos y sus variados multiinstrumentismos con un objetivo común: producir un directo personal, contundente y absolutamente genial. Lamentablemente, el concierto debía durar una hora exacta, a causa de las siguientes actuaciones programadas. Entre bastidores, Ribot afirmó que lo que tenían programado para el día siguiente sería mas largo y que pretendían tocar un repertorio diferente, recurriendo a más temas del CD. Desgraciadamente, una inesperada galerna truncó ese y otros eventos del miércoles, dejándonos huérfanos de un recital que habría eclipsado con facilidad al resto de la programación." © 2008 Yahvé M. de la Cavada

"El nuevo power trío de Marc Ribot es su banda más áspera y cruda en años." Time Out New York

"Ceramic Dog construye una ruda forma de sentir, entrega una ráfaga de sonidos a la vez sigilosa, siniestra y cruda. Punzante pero popular, con unas formas tanto despreocupadas como intensas." New York Times

Tindersticks: Claire Denis Film Scores 1996-2009 (Constellation; 2011)

2011-04-28T13:59:00.002+02:00

Promo Constellation:

Tindersticks have had a long and fruitful relationship with French filmmaker Claire Denis dating back to the band's early years. The group's first soundtrack for Denis, Nénette Et Boni (1996), was also their third album, following two eponymous and now legendary Tindersticks full-lengths in the early 90s. Five more soundtracks have followed, tracking faithfully alongside Denis' own critically-acclaimed trajectory, marking one of the more fertile, consistent and resonant relationships between a director and a group of musicians in contemporary cinema.

The set gathers all six of the Claire Denis soundtracks written and performed by Tindersticks or their members; Stuart A. Staples for L'Intrus and Dickon Hinchliffe for Vendredi Soir, alongside four others credited to the full band: Nénette et Boni, Trouble Every Day, 35 Rhums and White Material.

Four of the six soundtracks are previously unreleased – all of the film scores since 2002 are issued in this set for the first time. It is a subtle, beautiful body of work and an integral part of the Tindersticks oeuvre.

Mickey Newbury : An American Trilogy / Boxset (2011)

2011-04-27T11:44:00.003+02:00

Promo Cargo Records:

The epic 4CD and book recounting the work of influential American singer-songwriter Mickey Newbury is set to be released in May titled An American Trilogy. The collection will consist of Newbury’s three seminal early albums Looks Like Rain, ‘Frisco Mabel Joy and Heaven Help The Child. With the fourth disc full of never-before-heard songs, alternate versions and demos from the same era. The collection will also be released as 4 LP’s for the vinyl lovers.

The albums were thought to have been destroyed in a fire but were discovered in the Elektra records vault and have been restored using the original master tapes by Grammy winning engineer Steve Rosenthal and Jessica Thompson. Making these the first CD reissue of his using the original master tapes.

Newbury is cited as being one of the most influential figures in American popular music with his songs being recorded over 1300 times by over 1000 artists including Johnny Cash, Dolly Parton, Ray Charles, Scott Walker and Nick Cave.

More recently Joanna Newsom cited him as a songwriting influence saying he had with “the ability to compose a lyrical line that is so perfect, so distilled and clean and pure”.

The trilogy was recorded in a home studio in Madison, Tennessee known as ‘Cinderella Sound’, formerly a 2-car garage adjacent to guitarist and engineer Wayne Moss. Newbury’s backing band in these three albums also featured some of finest musicians in Nashville known as ‘Area Code 615’ many of whom had backed Bob Dylan on several of his albums.

The Looks Like Rain album sets out to immerse the listener in a vivid world of heartbreak, madness and despair likened to that of Love’s visionary album Forever Changes and Van Morrison’s Astral Weeks.

Newbury’s next album ‘Frisco Mabel Joy saw him widen his musical palette to include the Nashville Philharmonic as ‘orchestra’ of electric and steel guitars. The album was voted in at number 6 in an Uncut readers poll of Greatest Lost albums. Mojo described the album as being as “an hallucinatory suite of sad, soulful songs”.

The final instalment in the Cinderella Sound trilogy is Heaven Help The Child which shows Newbury’s confidence in the studio and in solidified him as a recording artist. Mickey Newbury said of the trilogy that he though of them as one piece of work – conceptually, thematically, musically and lyrically. He said about the albums that “[They] all tie together in my head”. The booklet includes photo’s from the Newbury family archives along with interviews from his friends and acquaintances including Steve Earle, Jac Holzman, Larry Jon Wilson and David Allen Coe.

He continued to record until his death in 2002 releasing a total of 20 albums in his career which has been described as being as “one of the most brilliantly original and important bodies of work of any contemporary popular artist”.

The albums are being released through London and Berlin based reissue label Saint Cecilia Knows in association with the Newbury family label Mountain Retreat.

Matana Roberts: Coin Coin Chapter One: Gens De Couleur Libres (Constellation; 2011)

2011-04-26T17:38:00.003+02:00

Promo Constellation:

Matana Roberts (pronounced mah-tah-nah) is one of the leading lights of contemporary African-American experimental music, combining her widely recognized gifts as an alto saxophone player and improviser with an intensely engaged re-definition of American Jazz traditions.

Matana's COIN COIN project is the centerpiece of this engagement and re-definition: a multi-chapter work that combines conceptual scoring (graphic notation, 'chance' strategies), storytelling and historical narrative, performative theatre (personae, costume, multi-media), and a deeply considered channeling of personal ancestry and the 'universal' experience of Africans in America.

Roberts began spending significant amounts of time in Montreal during the second half of the 2000s and has been an on-and-off resident of the city since 2008. While she was familiar to Constellation as early as 2001 (through her work with Sticks And Stones and her guest performance on Godspeed You! Black Emperor's Yanqui U.X.O. album), it was through the evolution of her mesmerizing COIN COIN project that we fully fell under her spell – as did the dozen or more Montreal musicians who began working with her on the music and in performance.

COIN COIN Chapter One: Gens de Couleur Libres is the first official recording of this ambitious and powerful project. We invited Matana to assemble her Montreal group for a live in-studio performance at the Hotel2Tango facility, before a small but capacity audience of about 30 friends and supporters. The band spend the entire day running things through while recording engineer Radwan Moumneh set microphones and levels. The evening performance was stunning, literally bringing audience members to tears, and went to tape beautifully. The full 90-minute performance was edited down to around 60 minutes, comprising four quarter-hour suites spread across four sides of 10" vinyl.

Says Matana: “COIN COIN is a compositional sound language, that I have been developing since 2006. My initial interest in creating this work came from my childhood fascination with ghosts, spirits, spooks, and the faint traces of what they leave behind. I have a deep interest in old, antique objects of human existence, mostly because of the variety of story that can be created, factual or not, from the possibility of their being. This project is a combination of those interests as well as my delight in musical communication , ritual adornment, and the genealogical 20th century history of Africans in America. In some instances I am using information that I have gleaned from research into my own ancestral history, as inspiration and area of creative consideration. The musical root of much of this work also stems from my continued attraction/repulsion to certain aspects of the American Jazz tradition(s) which I am deeply involved with as an alto saxophonist.”

To us, COIN COIN represents some of the most honest and compelling work – musically and thematically – that we've had the privilege to be associated with. It rallies adventurous improv, experimental voice and narrative, a wide array of black folkways, and Matana's impassioned lead playing to tremendous emotional and conceptual effect.

Running Time: 61:15

Release Date: 10 May 2011

The Feelies: Here Before (Bar None Records; 2011)

2011-04-11T19:44:00.003+02:00

Promo Bar None Records :

After a 19 year break, The Feelies are back with Here Before an album of all new original material on Bar/None Records. The new album touches on different styles from the Feelies’ long history while adding new grooves and musical ideas to the mix. Electric and acoustic guitars melt together in archetypal Feelies fashion on songs like “Nobody Knows” and “Should Be Gone. “ Elsewhere there are slabs of driving garage rock like "When You Know" and "Time Is Right" and the down-tempo ”Bluer Skies,” and harmonically rich “Later On."

Here Before was recorded at Water Music in Hoboken, New Jersey produced by Feelies founders Glenn Mercer and Bill Million. Besides Glenn on rhythm/lead guitar and lead vocals, and Bill on guitar and vocals, the album features Feelies mainstays Brenda Sauter (bass, vocals), Stanley Demeski (drums), and Dave Weckerman (percussion).

The Feelies quickly became one of the most zealously touted acts on the highly competitive late 70s New York scene and underground heroes in their native New Jersey. They were signed to the trendsetting British label Stiff and released their debut album Crazy Rhythms in 1980. Rolling Stone, Spin and countless other magazines would eventually declare the album one of the greatest of that era but it was not a commercial success upon its initial release. The Feelies soon felt stifled by their dealings with Stiff and took a six year “hiatus” from recording while its members continued to write, record and perform together and in collaboration with friends and neighbors under names like “the Trypes,” “Yung Wu” and “the Willies.” Feelies’ music wound up in a number of films including Smithereens and Jonathan Demme’s Something Wild.

The Feelies proper re-emerged with a new rhythm section (the line-up they’ve had ever since and that appears on Here Before) in 1984 and recorded The Good Earth, co-produced by Million, Mercer and REM’s Peter Buck). The album was released 1986 on the Coyote label (run by Steve Fallon, owner of Hoboken, NJ’s Maxwells, and the group’s manager for a spell), followed by two further releases on Coyote through Twin/Tone/A&M: Only Life (1988) and Time For A Witness (1991). The band shared bills with Patti Smith, LouReed, REM and Bob Dylan during this period and toured nationally.

In 1992 Bill Million left the music business, moving his family to Florida and effectively putting the band on what turned out to be a very long hiatus. Meanwhile, Glenn and Dave continued playing together in Wake Ooloo, Stanley was a founding member of the band Luna and Brenda played in a number of groups including her own Wild Carnations. Glenn Mercer put out his first solo album in 2007.

In 2008, the Feelies re-united to open for long time admirers Sonic Youth at Battery Park and then resurrected their tradition of playing low key gigs around national holidays (many at their old home base, Maxwell’s) rather than doing lengthy tours. In 2009 Bar/None re-issued Crazy Rhythms and The Good Earth, this being the first band-sanctioned CD release of the former; both titles were also issued on heavyweight vinyl and with download cards for access to bonus tracks. A highlight of the All Tomorrows Parties festival in New York state that year was the Feelies playing Crazy Rhythms in its entirety for the very first time. They also introduced new songs written by Mercer and Million raising fans’ hopes for a new album eventually materializing.

In 2010, using the basement studio in Mercer’s New Jersey home, Glenn and Bill resumed writing songs and working out arrangements for new Feelies songs in the midst of rehearsals for live shows in Boston, Philadelphia and D.C. with Bill commuting back and forth from Florida for this. By Fall that year, the band had worked up 13 songs. Basic tracks were cut at Water Music in October with the classic Feelies line-up of Mercer, Million, Demeski, Sauter and Weckerman; tracking dates were engineered by Sean Kelly who also helped out with overdubbing sessions in November and mixing in December. In addition to their main instruments Brenda played violin and sang backup vocals, Glenn contributed keyboards and Bill, Stan, Glenn and Dave all pitched in on percussion.

Many of their fans probably didn’t think they would ever get a chance to see the Feelies perform again let alone have a new album in their hands. Here Before adds a solid fifth album to the Feelies discography. The album will be released digitally as well as on CD and vinyl with a download card.

Primavera 2011 Mirador Pop Cádiz

2011-04-07T14:33:00.002+02:00

The Bill Dixon Orchestra: Intents And Purposes ( 1967 / reed: International Phonograph; 2011)

2011-04-05T17:31:00.003+02:00

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Editorial Reviews

Dixon, who died last year at 84, is typically described as a force in the free jazz that emerged in the1960s. He was that, but Intents and Purposes defied labeling when Dixon recorded it more than four decades ago. This long overdue reissue confirms that the album withstands categorization. Its daring and forthright iconoclasm has substance that outlives much music that was conceived in protest or defiance in the roiling atmosphere of that era.

Dixon's trumpet and flugelhorn improvisations flow, jab, dance, flutter, growl and brood through, around and over the other musicians. In some cases, the other musicians are Dixon himself, overdubbed. The first of the two brief Nightfall Pieces has multiples of Dixon and flutist George Marge creating a mesmerizing soundscape. In the second, Dixon ruminates in call-and-response with himself across the stereo channels. Favoring low notes on his own instruments and those of others, he employs the ten-piece group in Metamorphosis to create rich substrata voicings. Bass trombone, bass clarinet, cello and two double basses are among the instruments that provide oddly reassuring contrast with Dixon, alto saxophonist Robin Kenyatta and bass clarinetist Bayard Lancaster, whose solos search almost to the edge of desperation. Metamorphosis includes written passages of subtle complexity that it would be easy to overlook in the passion of the performance.

In Voices, whether he achieves it on paper or by contrivance in the studio, Dixon manages to give his trumpet, Lancaster's bass clarinet, Jimmy Garrison's bass, Catherine Norris's cello and Robert Frank Pozar's drums fullness of sound one might expect from an ensemble half again bigger. Dixon's choice of musicians was eclectic; avant gardists like Kenyatta, Lancaster and Garrison alongside the mainstream trombonist Jimmy Cheatham and Marge, a reliable reed specialist of the New York studio scene.

To his credit, reissue producer Jonathan Horwich saw to it that the Dixon album looks like the original RCA Victor LP, down to the striking cover shot. It is a reminder that record packages were once a pleasure to handle and the notes easy to read. The liner notes are included as an insert that unfolds to nearly the size of an LP sleeve. More important, the quality of the sound recorded in RCA's storied studio B is flawlessly remastered. In a brief addendum to the notes, Horwich writes of Intents and Purposes, ''It stands as one of the most important and revolutionary musical expressions of the 20th century.''

That may be true.

''There was nothing like it before 1966/67 and there has been nothing like it since.''

That is true. --Doug Ramsey, Rifftides, 3/28/11

Product Description

Described by the NY Times as a major force of the jazz avant garde, trumpeter / composer Bill Dixon's seminal work Intents and Purposes was recorded in 1966 and yet, despite critical acclaim, and a public eager for it, the recording has never been available on CD until now. It is beautifully packaged to duplicate the original vinyl release, including the original liner notes, personnel listing, RCA mascot, cover photo and original cover texture in a gatefold sleeve. The brilliantly arranged and largely orchestral setting is sometimes dark and brooding music that represents an historic moment in the development of modern jazz. Musicians include saxophonist/bass clarinetist Byard Lancaster, bass trombonist Jimmy Cheatham, bassists Jimmy Garrison and Reggie Workman, and several others.

The Clarke, Hicks and Nash Years: The Complete Hollies April 1963 - October 1968 (EMI; 2011)

2011-04-05T17:19:00.003+02:00

Bill Callahan: Apocalypse (Drag City; 2011)

2011-04-04T20:49:00.003+02:00

Promo Drag City

A mirror held up to the self and then turned around to the world. This record makes us wonder what has really happened in the last 100 years. And what will happen in the next 10. The soul of your country called and left you a message. Seven messages.

Kode9 & The Spaceape: Black Sun (Hyperdub; 2011)

2011-04-03T11:52:00.003+02:00

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Product description

'Black Sun' is the second album from Kode9 & The Spaceape and comes some five years after their 2006 release 'Memories Of The Future'. Named after Kode9's 2009 single, the album sees Kode9 experimenting with analogue synths and broken house and dubstep beats, while The Spaceape delivers his deep and dark lyrics on top.

Sr. Chinarro: Presidente (Mushroom Pillow; 2011)

2011-04-02T12:31:00.003+02:00

Promo Mushroom Pillow:

SR CHINARRO

PRESIDENTE

SU 11º DISCO SE PUBLICA EL 4 DE ABRIL

Primeras presentaciones:

05/04 SEVILLA

forum en FNAC, con Antonio Luque, Javi Vega y Jordi Gil

06/04 MADRID

forum en FNAC Callao, con Antonio Luque

09/04 BARCELONA

Jack Daniel?s Music Day, en la Terrassa de l?Estadi Olimpic

13/05 MADRID

Joy Eslava

ENTRADAS YA DISPONIBLES AQUÍ

20/05 SEVILLA

Festival Territorios

02/06 BILBAO

encuentros Musikalan, sala BBK

El 11º disco de Sr Chinarro estará a la venta el 4 abril en CD, LP y digital.

Las once canciones que lo forman han sido grabadas con el grupo que le ha acompañado en los últimos discos, los miembros de Maga Pablo Cabra y Javi Vega junto a Jordi Gil, que se ha encargado de la producción en los estudios Sputnik de Sevilla.

"Presidente" es el disco menos introspectivo de Antonio Luque, el más directo y luminoso que ha grabado hasta el momento y cuenta con el acompañamiento de unos arreglos instrumentales inéditos en su discografía

Old Calf: Borrow A Horse (No Quarter / ¡ Pop Stock!; 2011)

2011-03-29T20:29:00.003+02:00

Promo:
Old Calf formed as a duo in the small, but musically vibrant town of Charlottesville, VA by Ned Oldham (The Anomoanon, Palace Music) and accordionist Marty Metcalfe, slowly accruing members on route to recording their debut album. Michael Clem (bass, mandola, dead-on harmonies) and Brian Caputo (percussion) round out the group of Southern gentlemen, who tightened up their sound rehearsing in Ned's garage, and performing around town on weekend nights.

Stan Getz Quintets: The Clef & Norgran Studio Albums (Hip-O - Verve; 2011)

2011-03-28T22:07:00.003+02:00

Promo Hip-O Select:

Verve Select proudly presents Quintets: The Clef & Norgran Studio Albums, a 3-CD, 45-track set that’s the first-ever collection of Stan Getz’s earliest recordings for Norman Granz, the founder of the Verve family of labels. Incredibly, two-thirds of this collection has never been on CD, and it is now available for the first time in nearly 60 years – in a beautifully packaged, wonderfully detailed box set that is a long-overdue tribute to a jazz superstar’s fine early recordings.

In 1952, Stan Getz was a young jazz cat on the rise, lauded for his cool, inventive playing – what fans called “The Sound” – and was signed to Norman Granz’s growing roster of class artists, releasing 78-rpm singles and 10-inch LPs on the Clef and Norgran labels, precursors to Verve Records. What Quintet does for both the Getz and Granz legacies is present the recordings in their original 10-inch LP form – Stan Getz Plays, The Artistry of Stan Getz and the three Interpretations LPs – while adding the singles not on the LPs and other bonus material from the sessions. While Getz in the period from late 1952 through early 1955 recorded with a core quintet – particularly with trombonist Bob Brookmeyer – included in the bonus material are quartet dates featuring drummer Max Roach. Most appealing for the jazz fan is the discovery of three previously unreleased alternate takes recently discovered in the Verve vault. Overall, the remastering makes Getz’s classic early recordings sound better than ever.

Tying the entire story together is a detailed essay by Grammy® nominee Ashley Kahn, which is complemented by a full list of the group’s singles and EPs, a chronological discography of the sessions, and an alphabetical index of the set’s songs, for ease in finding your favorites. Quintets also reproduces all of the rare LP and EP artwork, featuring classic David Stone Martin illustrations and Phil Stern photographs. The cover art of the package is, like the acclaimed Verve Select packages from Ella Fitzgerald and Nat King Cole, a new, original illustration by famed artist Bart Forbes.

Vivian Girls en Escena Rock El Puerto de Santa María.

2011-03-28T10:57:00.002+02:00

ESCENA ROCK EN EL PUERTO DE SANTA MARIA

LUNES 28 DE MARZO 21h.

VIVIAN GIRLS (Brooklyn, USA)

VIVIAN GIRLS EN EL CICLO ESCENA ROCK 2011

Hoy, lunes 28 de marzo, a las 21 h. el ciclo Escena Rock, organizado por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de El Puerto de Santa María (Cádiz), contínua con las laureadas VIVIAN GIRLS de gira por nuestro país presentando su nuevo disco.

Vivian Girls, son uno de los grupos más comentados del actual panorama underground neoyorkino. Tres chicas amantes de las voces vaporosas, el reverb, las armonías bien trenzadas y las guitarras con nervio que cantan como si fueran The Shangril-Las haciendo versiones de Ramones.

“Con su tercer disco bajo el brazo, consiguen desviar la atención ante tanta crítica arrodillada a sus pies de la mejor manera posible: armándose con un montón de canciones irresistibles” (Pitchfork)

Las entradas para este concierto se pueden adquirir en la taquilla del Teatro al precio de 6 € (tarifa normal) y 4 € (reducida: carné joven y de estudiante, pensionistas y desempleados).

TAQUILLA: de 17.00 h. al comienzo del concierto y venta telefónica en el 956483735 (horario de taquilla).

Low : C'mon (Sub Pop; 2011)

2011-03-26T12:38:00.002+01:00

"...This intensity and force, despite the stillness, brings a new dimension to Low's sound and makes C'mon an interesting addition to an already impressive body of work".

Nick Southgate / The Wire 326 - April 2011.

Promo Sub Pop:

C’mon is the shortest title of any Low album, which seems fitting, as it also ranks among the most succinct and straightforward entries in their variegated discography. Singer-guitarist Alan Sparhawk has even perfected the “elevator pitch” for C’mon: “Recorded in an old church in Duluth, MN and mixed in an apartment in Hollywood, CA.” But that brief synopsis hides universes.

Comprised of new material written on and off the road, the ten-song set was recorded in a former Catholic church, aka Sacred Heart Studio (where the band previously crafted 2002’s Trust) and co-produced and mixed by Matt Beckley. The band took full advantage of Sacred Heart’s high, vaulted ceilings, natural reverb, and audible affinity for organ sounds and group singing. The thunder-crack percussion that peppers the final minute of the slowly unfolding “Majesty/Magic” is just one example of this dynamic in action. With its jangly guitars and sweet vocal harmonies, opener “Try to Sleep” sets the album’s tone: Warmer, fuller and more introspective. Whereas 2007’s Drums and Guns railed against the war in Iraq, C’mon feels like a plea for humanity, decency and common sense in a world gone mad. Sparhawk concurs. “With the last couple of records, we were grappling with something outside of ourselves. This one feels more like, ‘Well, forget that. I’m looking in your eyes right now, and we need to figure out how to get through the next moment, together, as human beings.’”

Without curtailing their artistry one iota, the trio has made one of its most accessible, affecting albums to date. And while the origins of C’mon may lie in a church in Minnesota, Beckley’s apartment in CA and the hearts of the modest individuals who created it, the resulting music has the capacity to resonate deeply with audiences everywhere.

Released: April 12, 2011

Mikel Muñoz: The Band (Ed. Milenio; 2011)

2011-03-26T12:32:00.005+01:00

Promo Editorial Milenio

The Band son conocidos sobre todo por estos dos hitos, sus orígenes y su final, pero en medio hubo mucho más. Este libro, la primera biografía en español sobre La Banda, pretende explorar precisamente todo lo que supuso el legado que dejaron. Unas canciones que bebían de todos los diferentes géneros que forman el riquísimo acervo de la música popular estadounidense, y que fusionados por las personalidades artísticas de aquellos cinco hombres, se complementaron de forma magistral para dar lugar a un estilo tan sutil como singular, hasta entonces desconocido y, a día de hoy, irrepetible.

Mikel Muñoz (San Sebastián, 1965) es informático de profesión. Conoció a The Band a los trece años, precisamente a través de lo que representó su despedida, el triple disco en directo titulado El Último Vals. Desde entonces quedó perdidamente enganchado al grupo, y aunque no le gusta utilizar la palabra “obsesión” para describir su afición por ellos, reconoce que no acaba de encontrar otro término más adecuado... Éste es su primer trabajo literario.

Abraham Boba: Los días desierto (Limbo Starr; 2011)

2011-03-25T07:44:00.003+01:00

Promo Limbo Starr:

Hay artistas que optan por la libertad creativa, por reinventarse en cada disco, por explorar las vías musicales menos trilladas. A menudo estos reciben el reconocimiento de pocos pese a que sus composiciones estén dotadas de una calidad indiscutible. Y luego los hay que, a pesar de todo lo anterior, consiguen atraparnos y nos permiten entrar en su propio universo creativo. Poco a poco pero sin vacilar: sus melodías siempre llegan para quedarse. Y es que Abraham Boba lo ha conseguido una vez más, y por la puerta grande: Los días desierto es un disco que explora a la perfección esos sentimientos humanos que nos tocan a todos, desde el vacío de la soledad al amor.

Abraham, más conocido últimamente por acompañar a Nacho Vegas y ser uno de los protagonistas absolutos del último trabajo del asturiano, publica Los días desierto, su tercer álbum, su disco más pop, y el que ya podemos afirmar –a riesgo de caer en el tópico- que supone un antes y un después en su carrera. ¿Álbum de consagración? Desde luego lo es a nivel personal, pues logra con su pop de autor involucrarse hasta la médula en sus letras y en su música, pero seguramente también a nivel mediático. Boba no sólo cuenta y canta canciones, también las interpreta con su voz, piano, guitarra o acordeón. Historias personales escritas desde una óptica tan hiriente como tierna, un perfecto desdoblamiento de personalidad musical que no aspira a emular a nadie más que a uno mismo. Un universo musical propio, donde el pop y los referentes clásicos de un buen singer-songwriter se funden en unas canciones que mantienen el ADN propio de sus discos anteriores pero en formato más eléctrico que nunca, y embellecido por coros y muchos más matices. En definitiva, Los días desierto destila todo aquello de lo que ya veíamos capaz a Abraham: sensibilidad musical, destreza instrumental y clase. Todos sabemos que los buenos discos son aquellos que precisan su tiempo de escucha, y el de Abraham es de esos. Pero también sabemos que precisamente esos son los discos que más nos cautivan, y a los que acabamos recurriendo casi compulsivamente. Sin duda, 2011 es el año de Abraham Boba.

Syl Johnson: Complete Mythology ( Numero Group; 2010)

2011-03-24T11:57:00.003+01:00

Promo Numero Group

Syl Johnson: Complete Mythology

four CD + six LP box set (both formats, one package).

Four years in the making, this is by far the most exhaustively researched and meticulously presented work from The Numero Group to date. Encompassing the first fifteen years of a career that spans half a century, Syl Johnson: Complete Mythology not only covers his obvious hits but shines a light into the dark corners of a true musical visionary.

Born Sylvester Thompson in Holly Springs, Mississippi, Johnson sang and played with blues artists Magic Sam, Billy Boy Arnold, Junior Wells and Howlin' Wolf in the 1950s, before recording with Jimmy Reed for Vee-Jay in 1959. His break was to come recording for Twinight Records of Chicago in 1967. Johnson dominated the label as both a hit maker and producer, providing such hits as "Come On Sock It to Me", "Different Strokes" (one of the most heavily sampled songs in the history of recorded music--paid homage by Public Enemy, N.W.A., Kid Rock, Michael Jackson, J. Dilla and dozens more), "Is It Because I'm Black" (which reached Number 11 on the Billboard R&B charts in 1969), among many more.

Included on Complete Mythology are re-mastered versions of no less than twenty eight singles from the Twinight, Federal, Cha-Cha, Tmp-Ting, Special Agent, and Zachron labels, facsimiles of the Dresses Too Short and Is It Because I'm Black albums, ten previously unreleased tracks and detailed track by track notes from acclaimed music historian Bill Dahl. The fifty-two page booklet contains a thirty-five thousand word essay, scores of previously unpublished photos, a sampling index, and complete discography--all presented in a lavish hardbound box. For the uninitiated this is history, for those familiar this is respect for one the greatest musical artists of our time.

J y Florent en Campus Rock Cádiz.

2011-03-23T14:00:00.002+01:00

Las Buenas Noches: Un mal día lo tiene cualquiera (2011)

2011-03-23T08:25:00.001+01:00

Las Buenas Noches web

Fred Hersch: Alone at the Vanguard (Palmetto; 2011)

2011-03-20T21:42:00.002+01:00

Promo Palmetto Records:

The Village Vanguard has been open since 1935 and up until a few years ago they had never invited a pianist to perform solo at the club. Fred Hersch holds the unique distinction of being the first pianist in the long history of the Vanguard to do just that....twice - so far.

Alone at the Vanguard documents Mr. Hersch’s second solo piano engagement (Nov 30 – Dec 5, 2010) at the renowned club. All 6 nights and 12 sets were recorded and there was much to choose from, but in the end it was the last set of the last night that Fred chose to go with. Some say that since Fred recovered from his much-documented coma, his playing is deeper and more emotional. Although all of the sets had great performances, this last set from the last night is a true testament to his mastery.

South Pop Festival Sevilla 2011

2011-03-15T16:30:00.002+01:00

SOUTH POP FESTIVAL SEVILLA 2011

7º Festival De Música Independiente Ciudad De Sevilla

15 y 16 de abril de 2011

Teatro Alameda - Sevilla

Un proyecto concertado con

AYUNTAMIENTO DE SEVILLA / ICAS

(Instituto de la Cultura y las Artes de Sevilla).

Dirección artística y producción: GREEN UFOS.

Con la colaboración de:

Teatro Alameda

Embajada de Francia en España

Obbio ? La Sala Club

15 de abril (viernes) - Teatro Alameda

DËNVER

ELLOS

MERCEDES AUDRAS

MANEL

LA BIEN QUERIDA

16 de abril (sábado) - Teatro Alameda

EMILIO JOSÉ

ORNAMENTO Y DELITO

SINGLE

MARGARITA

STANDSTILL

Precios de las entradas:

Abono dos días: 40 euros Anticipada + gastos de distribución / 48 euros Taquilla

Entrada un día: 25 euros Anticipada + gastos de distribución / 29 euros Taquilla

Venta anticipada de entradas:

· Tiendas FNAC de toda España.

· Tiendas VIAJES HALCÓN de toda España.

· Centros Carrefour de toda España.

· La Teatral.

· Green Ufos.

· Red de tiendas Ticketmaster (lista disponible en www.ticketmaster.es)

· Venta telefónica en el 902.15.00.25 con cargo a tarjeta de crédito.

· Venta por internet a través de la página web: www.ticketmaster.es

· Venta disponible por PAYPAL

Venta de entradas los días de concierto:

· En las taquillas del Festival desde dos horas antes del comienzo de los conciertos. (En el caso de que quedasen localidades)

Más información:

95 5087656 / 95 5087657

promo@greenufos.com

Kurt Vile: Smoke Ring For My Halo (Matador; 2011)

2011-03-13T13:22:00.003+01:00

Promo Matador:

Philadelphia singer/songwriter KURT VILE returns with his second proper album (2008’s Childish Prodigy was a compendium of sorts). Smoke Ring For My Halo is a gorgeously layered record. Ranging from the tender breezy folk in “Jesus Fever” to the tuff urban guitar riff of “Puppet To The Man,” Vile’s distinctive Philly-accented vocal ties together a sweeping & evocative project - a true American psychedelic folk album.

This is no pastoral listening experience however - when Vile sings, “society is my friend: he makes me lie down in a cool bloodbath" he sounds both exhausted and distanced from the ringing harmonics of his guitar and Mike Zanghi’s pounding drums. Even the gentler songs, such as “On Tour” and “Baby’s Arms” have a distinctly dark lyrical tone. The closest that Vile gets to some kind of acceptance is in the central track, the rueful “In My Time" "I know when we get older, I’m dying, but I got everything I need here now, and that’s fine, now... that’s fine.

Recorded at the Magic Shop by John Agnello, the album is a massive step forward for one of the country’s most beloved (not least by other musicians) rock songwriters.

Anímic: Hannah (BCore; 2011)

2011-03-10T18:15:00.003+01:00

Promo BCore:

Hannah...Mira bien el título, quítale la última “h” y busca por Internet la relación del nombre con una divinidad que representaba la vida, según una leyenda griega. Eso es lo que se encontraron los componentes de Anímic cuando buscaban un concepto hermoso y potente que reflejara el singular momento que estaban viviendo: una estación temporal asaltada por muchos cambios entre los músicos de la banda. Es por eso que éste Hannah, acabado en “h” finalmente por motivos estéticos, supone para el grupo un nuevo resurgimiento, un entusiasta “volver a empezar”, tras celebradas obras como “Hau o Hïu” (2007) o “Himalaya” (2009) “Aquí estamos”, gritan ellos decididos desde su refugio en Collbató, y el sonido imaginario de una rama crujiendo es el primer indicio de que ya volvemos a encontrarnos dentro del bosque encantado, fabulado, que el grupo lleva años cuidando con encomiable sensibilidad.

“Trenco una branca i res ja no m’espanta”, canta Ferran Palau en la delicada “Trenco una branca”, y es fácil reconocer su marca, un folk-rock rico y brumoso, pero, y aquí está la sorpresa, con un plus extra de misterio y de majestuosidad. ¡¡Fantástico!!: estos Anímic son los fieles compañeros de antes y, ahora, además, añaden más espejos que apuntan hacia otros paisajes. “Blue eyed tree” lo certifica con esa entrada espectral que nos avanza un desenlace todavía más atmosférico. Y también la hermosa “Hannah”, un retrato de un personaje femenino inquietante que un cuarteto de cuerdas –uno de los hallazgos del disco que se repite en tres temas más- acaba por pinzelar. Entonces, cuando aparece la estupenda “That black hole” es lógico que el oyente reconozca lo bien que maneja y amplia el grupo su registro o que la voz de Louise Joanne Sansom parece que se pose a nuestro lado en la preciosa “Howlin’ zombie”. Y en el trote agitado que empuja a “Boirina” es inevitable acordarse del músico tejano Will Johnson – coprotagonista junto al grupo del transparente documental “From Texas to Arbúcies” y aliado en una gira conjunta que se abrió en el poparb 2010 y se cerró con un concierto abrumador en la sala Apolo–. Seguimos el camino de las piedras redondas con la hipnótica “1979”, con un sorprendente vals ambientado en un cementerio y mecido por una caja de ritmos(“taüt”) y un casi adiós con un “winedrops” que arroja una advertencia: “your tears aren’t water, just wine”. Una sentencia tan temible y real como ese “no puc lluitar contra el que sóc” que rodea a la definitiva “La pols i el punyal”.

Se cierra el cuento, pero ahí está la magia de Anímic: pasan los días, las canciones y todavía suena esa rama que escuchábamos al principio, un crepitar irreal y contagioso...Y si todo cruje así esta noche es que Anímic tienen las llaves del bosque. Otra vez.